Μπάλες και θέατρα της εποχής Πούσκιν. Τα τέλη της δεκαετίας του 10 και οι αρχές της δεκαετίας του 20 του 19ου αιώνα ήταν μια εποχή πρωτόγνωρου, παθιασμένου πάθους για το θέατρο. Το να είσαι νέος «με ευγενή ψυχή» σήμαινε να είσαι θεατρολόγος! Συζητήσεις για έργα, ηθοποιούς, ίντριγκες στα παρασκήνια, για το παρελθόν και το μέλλον του θεάτρου πήραν τόσο χρόνο όσο και οι συζητήσεις για την πολιτική... Και μετά μίλησαν πολύ για πολιτική. Ο κόσμος ήθελε ξανά να βουτήξει στη δίνη της ειρηνικής ζωής: με τις μασκαράδες, τις μπάλες, τα καρναβάλια, τα νέα θεατρικές παραστάσεις. Οι Πετρούπολης αγαπούσαν πολύ το θέατρο.

Το αναγνωρισμένο κέντρο της δημόσιας διασκέδασης το φθινόπωρο και το χειμώνα στην Αγία Πετρούπολη ήταν το σπίτι του Ένγκελχαρντ στη λεωφόρο Nevsky Prospekt. Εδώ, σε μια υπέροχη αίθουσα που μπορούσε να φιλοξενήσει έως και τρεις χιλιάδες άτομα, γίνονταν δημόσιες μεταμφιέσεις, μπάλες και μουσικές βραδιές. Συναυλίες γίνονταν κάθε Σάββατο. «Έπαιζαν Μότσαρτ, Χάιντν, Μπετόβεν - με μια λέξη, σοβαρή γερμανική μουσική», θυμάται ένας από τους καλεσμένους του Ένγκελχαρντ. Ο Πούσκιν τους παρακολουθούσε πάντα. »

Ακόμη περισσότερο από συναυλίες, το Engelhard Hall ήταν διάσημο για ΜΠΑΛΕΣ και ΜΑΣΚΟΥΡΑΔΕΣ. Ένας αμέτρητος αριθμός άμαξες όλων των τύπων συνέρρεαν στην έντονα φωτισμένη είσοδο τα βράδια, παρατάσσοντας κατά μήκος της λεωφόρου Nevsky Prospekt. Οι μπάλες ξεκινούσαν συνήθως στις 8 - 9 μ.μ. Οι μπάλες ήταν σόου με τα πιο ακριβά, φανταχτερά και πολυτελή ρούχα. Τα μελλοντικά ραντεβού γίνονταν στις μπάλες, οι μπάλες ήταν μια βιτρίνα για τις μέλλουσες νύφες (Τις πήγαν στο χορό για πρώτη φορά σε ηλικία 16 ετών και ήταν ένα τεράστιο γεγονός τόσο για το νεότερο άτομο όσο και για τους γονείς της). Το πιο σημαντικό πράγμα για τις μπάλες ήταν η ικανότητα να μην ξεχωρίζουν από το πλήθος. Η κοινωνία δεν συγχώρεσε κανέναν για αυτό, όπως δεν συγχώρεσε στην εποχή του τον Α. Πούσκιν.

Εθιμοτυπία. Γνωρίζουμε τα κοσμικά ήθη και την εθιμοτυπία της εποχής Πούσκιν κυρίως από τα έργα των κλασικών της ρωσικής λογοτεχνίας του 19ου αιώνα και από τις καλλιτεχνικές τους προσαρμογές. Η αριστοκρατική κοινωνία καταδίκασε την ευρέως διαδεδομένη μόδα για πολυτελή δώρα που δίνουν «άγνωστοι» άντρες στις αγαπημένες τους κυρίες (Ακόμα και το πιο αθώο δώρο που δίνεται σε μια κυρία από έναν «άγνωστο» άνδρα (που δεν έχει σχέση με αυτήν) θα μπορούσε να ρίξει σκιά στη φήμη της.) Εκλέπτυνση, τονισμένη ευγένεια, εκλεπτυσμένη χάρη των χειρονομιών - οι αποχρώσεις της κοσμικής εθιμοτυπίας.

Η γενναιοδωρία των Ρώσων ευγενών, η επιθυμία και η ικανότητά τους να δίνουν δώρα κατέπληξαν πολλούς ξένους ταξιδιώτες. Δεν ήταν τσιγκούνηδες και Ρώσοι αυτοκράτορες, στα ανάκτορα του οποίου ολόκληρα δωμάτια ήταν δεσμευμένα για δώρα τόσο στους ξένους επισκέπτες όσο και στους υπηκόους τους. Εάν οι υφιστάμενοι μπορούσαν να δώσουν δώρα στους ανωτέρους μόνο σε εξαιρετικές περιπτώσεις, τότε κάθε ευγενής μπορούσε να παρουσιάσει ένα δώρο στον τσάρο και στα μέλη της βασιλικής οικογένειας.

Η βάση ενός ανδρικού κοστουμιού ήταν ένα φράκο. Ήταν απλά, αλλά επιτρέπονταν τα υφάσματα με σχέδια. Ο γιακάς του φράκου ήταν στολισμένος με βελούδο διαφορετικού χρώματος. Κάτω από το φράκο φορούσαν ένα λευκό πουκάμισο με ψηλό, στενό γιακά. Οι άντρες κόβουν κοντά τα μαλλιά τους. Τα κουλούρισαν και άφησαν τις φαβορίτες τους. Μόδα

Τα γυναικεία φορέματα εξακολουθούν να έχουν ψηλή μέση. Αν στις αρχές του αιώνα φορούσαν κυρίως λευκά φορέματα, τότε μέχρι την ηλικία των 20 εμφανίστηκαν χρωματιστά, αλλά μονόχρωμα.

Υπάρχει ένας πολύ μικρός αριθμός έργων στην παγκόσμια λογοτεχνία για τα οποία μπορούμε να πούμε: περιγράφοντας τη σύγχρονη εποχή τους, την επηρεάζουν ταυτόχρονα, δημιουργώντας εκ νέου την ιστορία. Ο «Ευγένιος Ονέγκιν» του Πούσκιν περιλαμβάνεται δικαίως ανάμεσα σε αυτά τα λίγα «χρυσά» έργα της ανθρώπινης σκέψης, τα οποία έχουν γίνει όχι μόνο η πιο λεπτομερής «εγκυκλοπαίδεια της ρωσικής ζωής», αλλά και ένα είδος μανιφέστου των πρώτων εκπροσώπων της αφυπνισμένης κοινωνικής συνείδησης.

Ο Πούσκιν άρχισε να εργάζεται στον «Ευγένιος Ονέγκιν» το 1823 στο Κισινάου και ολοκλήρωσε το έργο του το 1831, έχοντας αφιερώσει συνολικά 7 χρόνια, 4 μήνες και 17 ημέρες από τη ζωή του δημιουργώντας το μυθιστόρημα. Τέτοια μακρά και επίπονη δουλειά πάνω σε αυτό το έργο έχει δικαιολογηθεί. Ο "Eugene Onegin" έγινε η κεντρική και ίσως η πιο εξαιρετική δημιουργία Πούσκιν.

Ο ίδιος ο Πούσκιν, όταν συνέλαβε αυτό το έργο, ονειρευόταν να δημιουργήσει μια αφήγηση για τη μοίρα του ήρωα, η οποία θα μπορούσε να γίνει αντανάκλαση της κοινωνικής ζωής της ρωσικής κοινωνίας. Ο συγγραφέας κατάφερε να φέρει στη ζωή το σχέδιό του και ο «Ευγένιος Ονέγκιν» έγινε ένα πραγματικό πανόραμα της ρωσικής πραγματικότητας του δέκατου ένατου αιώνα.

Ούτε μια, ακόμη και η πιο δυσδιάκριτη, πλευρά της ζωής της ρωσικής κοινωνίας δεν διαφεύγει της προσοχής του συγγραφέα· στρέφει την προσοχή του κυριολεκτικά σε όλα, από την ανώτατη κοινωνία της Αγίας Πετρούπολης μέχρι τους δουλοπάροικους. Επομένως, από τα εννέα κεφάλαια του μυθιστορήματος μπορούμε εύκολα να μάθουμε για την κοινωνική ζωή εκείνης της εποχής (θέατρα, μπάλες, λογοτεχνικοί σύλλογοι) και για λαϊκές παραδόσεις, όπως τα χριστουγεννιάτικα μάντια, ακόμα και για το ποιες μπαλαρίνες ήταν οι πιο διάσημες εκείνα τα χρόνια. Ο συγγραφέας περιγράφει λεπτομερώς τη φύση των τόπων όπου διαδραματίζεται το μυθιστόρημα, δίνοντας προσοχή στην αλλαγή των εποχών και στα γύρω τοπία.

Μια τέτοια εγκυκλοπαιδική κάλυψη της πραγματικότητας αποδείχθηκε δυνατή χάρη στην ειδική, νέα τεχνική του Πούσκιν στη λογοτεχνία - την παρουσία της εικόνας του συγγραφέα στο μυθιστόρημα. Ο συγγραφέας-αφηγητής εμφανίζεται εδώ με διαφορετικά πρόσωπα: είναι ο καλός φίλος του Ονέγκιν, ο προστάτης και προστάτης της Τατιάνας, και ένας ποιητής, και μάρτυρας των γεγονότων που διαδραματίζονται στο μυθιστόρημα. Η εικόνα του βοηθά να επεκταθεί το εύρος του έργου από την πλοκή στο γενικό ιστορικό, κάνοντας το μυθιστόρημα πιο πλούσιο. Επιπλέον, η συνείδηση ​​του ήρωα δεν μπορεί να φιλοξενήσει όλη την ευελιξία της ζωής, επομένως είναι τα σχόλια του συγγραφέα σε λυρικές παρεκβάσεις που εκτελούν μια ειδική λειτουργία στη δημιουργία της περίφημης «εγκυκλοπαίδειας της ρωσικής ζωής». Είναι ο συγγραφέας που αναλογίζεται τους Ρώσους συγγραφείς, τον ρομαντισμό, τον συναισθηματισμό και τον κλασικισμό, αναπολεί το παρελθόν του, κάποιες βιογραφικές λεπτομέρειες των συγχρόνων του κ.λπ.

Λυρικές παρεκβάσεις, λεπτομερείς περιγραφέςοι ζωές των ανθρώπων κάνουν τον «Ευγένιος Ονέγκιν» ένα πραγματικό ιστορικό μυθιστόρημα. Μόνο που αντί για διάσημες προσωπικότητες εκείνης της εποχής δρουν εκεί απλοί μέσοι άνθρωποι, οι οποίοι, ωστόσο, αξίζουν να γίνουν το πρόσωπο της εποχής τους. Έτσι, μέσα από λυρικές παρεκβάσεις και εικόνες των βασικών χαρακτήρων, μπορούμε πλέον να φανταστούμε με όλες τις λεπτομέρειες την εποχή Πούσκιν και τους ανθρώπους που έζησαν τότε.

Η πιο εντυπωσιακή εικόνα από αυτή την άποψη είναι ο Eugene Onegin. Εξάλλου, μέσω του παραδείγματός του έδειξε ο Πούσκιν « χαρακτηριστικά γνωρίσματανεολαία του δέκατου ένατου αιώνα": "στα όνειρα υπάρχει ακούσια αφοσίωση, αμίμητη παραξενιά και κοφτερό, παγωμένο μυαλό." Αυτή η εικόνα αντανακλούσε επίσης την τραγική μοίρα των καλύτερων ανθρώπων εκείνης της εποχής - της ευγενούς διανόησης, της οποίας ο δημόσιος ρόλος άρχισε να ξεθωριάζει μετά την εξέγερση των Δεκεμβριστών. Το πιο σημαντικό σημάδι του πνεύματος των καιρών στο έργο είναι η διάθεση του ήρωα - η απογοήτευσή του, η έλλειψη επιχείρησης και ο σκοπός στη ζωή.

Μια τέτοια κατάσταση της ψυχής ενός ατόμου δεν ήταν ασυνήθιστη στην εποχή του Πούσκιν. Με πολλούς τρόπους, τέτοιοι άνθρωποι καθόρισαν το πνεύμα αυτής της εποχής, αποτελώντας το κύριο χαρακτηριστικό της. Έτσι, μπορούμε να καταλήξουμε στο εξής συμπέρασμα: όταν απεικονίζει τον Onegin, ο Πούσκιν εφιστά την προσοχή σε ένα μοτίβο χαρακτηριστικό πολλών από τους συγχρόνους του και δείχνει ολόκληρη την εποχή του σε μια ενιαία εικόνα.

Η εποχή Πούσκιν ήταν μια ενδιαφέρουσα και αμφιλεγόμενη εποχή, αλλά ο συγγραφέας μπόρεσε να την απεικονίσει στο μυθιστόρημά του σε όλη της την πολυπλοκότητα και την ευελιξία της. Ως εκ τούτου, δεν είναι μάταια που λένε ότι χρησιμοποιώντας τον "Ευγένιος Ονέγκιν" μπορείτε να μελετήσετε τον δέκατο ένατο αιώνα σαν από ένα εγχειρίδιο ιστορίας.

Στο κέντρο της παλιάς Μόσχας, σε ένα κτήμα πόλης του 17ου-XDC αιώνα. υπάρχει μουσείο του Α.Σ. Πούσκιν. Και παρόλο που δεν υπάρχουν πληροφορίες ότι ο ποιητής επισκέφτηκε εδώ, γνώριζε καλά αυτή τη γωνιά του μητρικού θρόνου. Εδώ ζούσαν οι φίλοι και οι γνωστοί του, τους οποίους επισκεπτόταν και στα ποιήματά του απευθυνόταν σε άλλους. Τα κτίρια εκείνης της εποχής έχουν επίσης διατηρηθεί... Το μουσείο έχει ήδη περισσότερα από 40 χρόνια ιστορίας, και θα μπορούσε να αποτελέσει θέμα ξεχωριστής δημοσίευσης. Αποφασίσαμε όμως να μυήσουμε τον αναγνώστη στη σημερινή του εποχή, ειδικά αφού μετά την ανακατασκευή και την αποκατάσταση του κτηρίου, το μουσείο βιώνει ένα είδος αναγέννησης.

Άνοιξαν ξανά οι πόρτες του αρχοντικού στην Prechistenka, 12. Την παραμονή των 200 χρόνων του μεγάλου ποιητή, δημιουργήσαμε μια νέα έκθεση «Ο Πούσκιν και η εποχή του».

Την παραμονή των μεγάλων επισκευών, αποκατάστασης και ανακατασκευής του κτιριακού συγκροτήματος των κτιρίων, ήταν απαραίτητο να κατανοήσουμε εκ νέου την ουσία και τον σκοπό του μουσειακού ιδρύματος, τα καθήκοντά του και τις προοπτικές ανάπτυξης. Τελικά, η επόμενη «ανάπτυξη» του χώρου αυτού του σπιτιού είχε σκοπό να αποκαλύψει στο μέγιστο τις πλούσιες δυνατότητες του μουσείου - ιδιοκτήτη εθνικών πολιτιστικών αξιών, ενός μοναδικού ερευνητικού και πολιτιστικού-εκπαιδευτικού ιδρύματος. Ας σημειώσουμε ότι η πολυλειτουργικότητα του μουσείου μας έχει τη δική της ατομική έκφραση χάρη στις μοναδικές συλλογές που συλλέγονται, τις καθιερωμένες και συνεχώς αναπτυσσόμενες διάφορες μορφές δραστηριότητάς του. Το θέμα "A.S. Pushkin" αρχικά εμφανίστηκε σε ευρείες ιστορικές, λογοτεχνικές, πολιτιστικές συνδέσεις με την προ-Πούσκιν και την εποχή του Πούσκιν, με τη νεωτερικότητα. Και όπως το έργο του ποιητή χαρακτηρίζεται από κίνηση, ανοιχτές δομές, διαλογικές συνδέσεις, «παγκόσμια ανταπόκριση», το μουσείο του A.S. Ο Πούσκιν χαρακτηρίζεται από μια αναζήτηση, μια επιθυμία να επεκτείνει το πεδίο των δραστηριοτήτων του, να εισέλθει σε διάλογο με τον κόσμο.

Η πρώτη έκθεση - "The Life and Work of A.S. Pushkin" - άνοιξε το 1961. Στη συνέχεια δημιουργήθηκαν οι εκθέσεις "The World Glory of A.S. Pushkin", "A.S. Pushkin and Our Time". Έπαιξαν σημαντικό ρόλο στην επιστημονική κατανόηση με μουσειακά μέσα της βιογραφίας και της δημιουργικής κληρονομιάς του συγγραφέα, στη συνειδητοποίηση της σύνδεσής του με τη νεωτερικότητα. Τα υλικά της έκθεσης χρησιμοποιήθηκαν ευρέως στο επιστημονικό και εκπαιδευτικό έργο, στη διάδοση των έργων του Πούσκιν, για πολλά χρόνια αποτέλεσαν τη βάση για πρακτική άσκηση για εργαζομένους σε μουσεία στη χώρα και έγιναν μέρος του «Σπίτι Πούσκιν» - το επιστημονικό και πολιτιστικό κέντρο του Μόσχα. Κι όμως, αποτίοντας φόρο τιμής στα αναμφισβήτητα πλεονεκτήματά τους, δεν μπορεί παρά να παραδεχτεί: μέχρι τώρα χρειάζονταν αντικατάσταση. Η ανάγκη για αυτό οφείλεται σε πολλούς λόγους. Το κτίριο του μουσείου και οι αίθουσές του χρειάζονταν σημαντικές επισκευές και αναστήλωση. Κατά το παρελθόν, τα κεφάλαια έχουν επεκταθεί σημαντικά, ανέρχονται πλέον σε περίπου 200 χιλιάδες μονάδες αποθήκευσης. Αυτό κατέστησε δυνατή την απόρριψη του μεγαλύτερου μέρους του υλικού αντιγραφής. Υπήρχε η ευκαιρία να επιδείξουν στον επισκέπτη άγνωστα μέχρι πρότινος υπέροχα έργα ωραίας και διακοσμητικής τέχνης, σπάνια βιβλία, χειρόγραφα, έγγραφα του 18ου - πρώτου τρίτου του 19ου αιώνα, πίνακες και ακουαρέλες των V. Tropinin, P. Sokolov, V. Gau, A. Molinari, S. Tonchi, άλλοι δάσκαλοι Φυσικά, ελήφθησαν υπόψη τα αποτελέσματα της εργασίας των τελευταίων δεκαετιών για τη μελέτη του Πούσκιν, πολυάριθμες δημοσιεύσεις που συμπλήρωσαν και εμβάθυναν σημαντικά την κατανόησή μας για τον ποιητή και την εποχή του. Υπήρχε μια αναζήτηση για νέες μορφές μουσειακού σχεδιασμού. Και ένας ακόμη λόγος που έθεσε στην ομάδα του μουσείου το καθήκον να δημιουργήσει μια νέα έκθεση:

τα τελευταία χρόνια, η ίδια η κατανόηση του μουσείου έχει αλλάξει, το οποίο δεν θεωρείται πλέον ως πολιτιστικό και εκπαιδευτικό ίδρυμα, αλλά ως θεσμός που κατέχει ιδιαίτερη θέση στο σύστημα του σύγχρονου πολιτισμού: ως αποθήκη εθνικών πολιτιστικών αξιών, εκτελώντας ερευνητικές και εκπαιδευτικές λειτουργίες, σήμερα, με τη βοήθεια της επιστημονικής γνώσης της τέχνης της έκθεσης, που έχει αυτοτελή αξία, εδραιώνει την πολιτιστική μνήμη της κοινωνίας και διασφαλίζει τη συνέχεια των πολιτιστικών παραδόσεων.

Η κύρια έκθεση «Ο Πούσκιν και η εποχή του» βρίσκεται σε 15 αίθουσες. Αποσκοπεί, με την επίδειξη του πλούτου της συλλογής μας, να παράσχει μια εικονική κατανόηση των πολιτιστικών αξιών που κληρονομήθηκαν από την εποχή του Πούσκιν τον 20ό αιώνα. και που θα κληρονομήσει ο 21ος αιώνας, για να αποκαλύψει τον κόσμο του ποιητή, τον κόσμο της δημιουργικότητάς του.

Στο πλατύσκαλο της κεντρικής σκάλας, τον επισκέπτη υποδέχεται ένα αντίκες γλυπτό - η μούσα της λυρικής ποίησης Ευτέρπη. «Στη βρεφική μου ηλικία, με αγαπούσε», έγραψε ο Πούσκιν για την αρχή του ταξιδιού του στην ποίηση. «Με την εντολή του Θεού, μούσα, να είσαι υπάκουος», - με αυτά τα λόγια ολοκλήρωσε το ταξίδι του. Στις αίθουσες του μουσείου υπάρχουν και άλλες μούσες που τραγουδάει ο ποιητής: Κλειώ, Τερψιχόρη, Πολυύμνια... Έτσι δηλώνεται ένα από τα κορυφαία θέματα της έκθεσης - ο διάλογος μεταξύ ρωσικών και παγκόσμιων πολιτισμών που ενσαρκώνεται στα έργα του Πούσκιν.

Ένας από τους πιο υποσχόμενους τομείς σύγχρονη επιστήμηγια τον Πούσκιν - τη μελέτη του έργου του στο πλαίσιο της ιστορίας, της λογοτεχνίας, του πολιτισμού και της ζωής της εποχής του. Και τα βιογραφικά και δημιουργικά μας θέματα δίνονται σε ένα ευρύ ιστορικό πλαίσιο. Η πρώτη αίθουσα - "Πρόλογος" - είναι αφιερωμένη στον 18ο αιώνα, στο τέλος του οποίου γεννήθηκε ο ποιητής, η δεύτερη - στην εποχή Πούσκιν στην ιστορική και καθημερινή της, μεγάλη και μικρή, τραγική και αστεία. Σκηνές μάχης και μοντέρνες εικόνες, κυβερνητικά μανιφέστα και επιστολές από άτομα, Κώδικας Νόμων της Ρωσικής Αυτοκρατορίας και βιβλία για παιδιά. Εδώ, για πρώτη φορά, στην έκθεση συμπεριλήφθηκαν χρονικά για κάθε έτος της ζωής του Πούσκιν: ο Honore de Balzac και ο Adam Mickiewicz, ο Karl Bryullov και η Avdotya Istomina γεννήθηκαν το έτος γέννησής του. Το 1799 απαγορεύτηκε να χορεύουν βαλς και να φοράνε φαβορίτες. Το 1799 ο A.V. Ο Σουβόροφ κέρδισε νίκες στις εκστρατείες της Ιταλίας και της Ελβετίας. Στα χρονικά, οι «παράξενες συνδέσεις» γίνονται αισθητές, οι οποίες πάντα ενδιέφεραν τον ποιητή: δεν ήταν τυχαίο που επέστησε την προσοχή στο γεγονός ότι έγραψε το χιουμοριστικό ποίημα «Count Nulin» στο Mikhailovskoye στις 14 Δεκεμβρίου 1825, χωρίς να γνωρίζει τι. συνέβη στην Αγία Πετρούπολη εκείνη την ημέρα της εξέγερσης των Δεκεμβριστών. Έτσι ξεκινά το μουσείο ένα ταξίδι στην εποχή Πούσκιν, μια ιστορία για τη ζωή και το έργο του Πούσκιν.

Οι εσωτερικοί χώροι των δωματίων στον ημιώροφο αντιπροσωπεύουν εικόνες ενός γραφείου, ενός νηπιαγωγείου, ενός καθιστικού - θα μπορούσαν να ήταν στο σπίτι Πούσκιν της Μόσχας, το οποίο δεν έχει επιβιώσει μέχρι σήμερα, όπου ο μεγάλος ποιητής πέρασε τα παιδικά του χρόνια (έρευνα πρόσφατη χρόνια, ιδιαίτερα το έργο του V.D. Berestov, καθιστά δυνατή την εγκατάλειψη του μύθου της άχαρης παιδικής του ηλικίας ως παιδί που δεν αγαπήθηκε από τους γονείς του). Το μουσείο έχει κάνει μια προσπάθεια να αναδημιουργήσει την ατμόσφαιρα του φιλόξενου σπιτιού των Πούσκιν, να μιλήσει για τις σχέσεις στην οικογένεια, για τα λογοτεχνικά ενδιαφέροντα του Σεργκέι Λβόβιτς και του Βασίλι Λβόβιτς Πούσκιν, για τις φιλικές και λογοτεχνικές τους σχέσεις με τον Ν.Μ. Karamzin, V.A. Ζουκόφσκι, Κ.Ν. Μπατιούσκοφ, Ι.Ι. Ντμίτριεφ, για τον κόσμο των απλών ανθρώπων, με τον οποίο το αγόρι γνώρισε ακούγοντας τις ιστορίες της γιαγιάς και της νταντάς του, κάνοντας βόλτες στη Μόσχα με τον δουλοπάροικο θείο του Νικήτα Κοζλόφ.

Στο τραπέζι από σημύδα της Καρελίας, δίπλα στα έργα του Ομήρου και του Πλούταρχου, ένα κηροπήγιο με λιωμένο κερί, υπάρχει μια μινιατούρα ενός άγνωστου καλλιτέχνη (σύμφωνα με την υπόθεση της ερευνήτριας του μουσείου, υποψηφίου Ιστορίας της Τέχνης E.V. Pavlova, ίσως Xavier de Maistre): ένα γαλανομάτη αγόρι δύο ή τριών ετών. Αυτό το πορτρέτο, όπως πολλά μουσειακά αντικείμενα, έχει τη δική του ενδιαφέρουσα μοίρα. Παρουσιάστηκε από τον Λαϊκό Καλλιτέχνη του B.C. Ο Γιακούτ, ο οποίος έπαιξε το ρόλο του Πούσκιν στη σκηνή του θεάτρου της Μόσχας. Μ.Ν. Ermolova, που αποδίδεται στον αναπληρωτή διευθυντή επιστημονικού έργου του μουσείου N.V. Μπαράνσκαγια. Το μουσείο έχει επίσης άλλα πορτρέτα του Πούσκιν που δημιουργήθηκαν κατά τη διάρκεια της ζωής του - αυτό είναι ένα ιδιαίτερο καμάρι της συλλογής μας. Βιβλία, παιδικά περιοδικά, τετράδια, κομμένα αλφαβητάρια, παιχνίδια -είναι σχεδόν δύο αιώνες ζωής- μας επιτρέπουν να κοιτάξουμε τον κόσμο της παιδικής ηλικίας του ποιητή.

Η έκθεση «Ο Πούσκιν και η εποχή του» βασίζεται σε συνδυασμό χρονολογικών και θεματικών αρχών. Ξεχωριστά δωμάτια είναι αφιερωμένα στο μυθιστόρημα «Ευγένιος Ονέγκιν», το ποίημα «Ο χάλκινος καβαλάρης», η ιστορία «Η βασίλισσα των μπαστούνι», το μυθιστόρημα «Η κόρη του καπετάνιου».

Το «Eugene Onegin», η αγαπημένη δημιουργία του Πούσκιν, που προοριζόταν να γίνει ένα από τα κύρια έργα του ρωσικού πολιτισμού, παραδόθηκε σε ένα μεγάλο σαλόνι - την κεντρική αίθουσα της μπροστινής σουίτας. Οι συγγραφείς της έκθεσης προσπάθησαν να δουν τις πραγματικότητες εκείνης της εποχής «μέσα από το μαγικό κρύσταλλο» της ποίησής του. Στην αίθουσα δίνεται ένα είδος μουσειακού σχολιασμού του μυθιστορήματος σε στίχους. Και το θέμα δεν είναι μόνο ότι παρουσιάζονται εδώ απόψεις της Αγίας Πετρούπολης, της Μόσχας και των επαρχιών. πορτρέτα άγνωστων νεαρών ανδρών και νεαρών κυριών. διάφορα αντικείμενα της παλιάς καθημερινής ζωής - η διπλή λοργνέτ που αναφέρεται στο μυθιστόρημα, και η σφραγίδα για τα γράμματα, και «το κεχριμπάρι στον αγωγό της Κωνσταντινούπολης» και «το άλμπουμ της νεαρής κυρίας της κομητείας». Το πιο σημαντικό, η έκθεση ερμηνεύει τον «Ευγένιο Ονέγκιν» όχι μόνο ως μια εγκυκλοπαίδεια της ρωσικής ζωής, αλλά και ως ένα παγκόσμιο μυθιστόρημα πολιτισμού, που αντιστοιχεί στο επίπεδο της σύγχρονης έρευνας για το έργο. Έτσι, ο διάλογος των ρωσικών και παγκόσμιων πολιτισμών που ακούγεται στο κείμενο του Πούσκιν μεταφέρεται από πορτρέτα και βιβλία εκείνων των ποιητών των οποίων τα ονόματα αναφέρονται στο μυθιστόρημα, τα ποιήματα των οποίων περιλαμβάνονται στο κείμενο με αποσπάσματα ή αναμνήσεις - αυτοί είναι ο Όμηρος, ο Οβίδιος, ο Τάσο, Πετράρχης, Βύρωνας, Πάρνης, Ντελβίγκ, Γιαζίκοφ, Μπαρατίνσκι, Μιτσκέβιτς.

Εκθεσιακά συγκροτήματα: μπουντουάρ ενός δανδή, στο οποίο υπάρχει "πορσελάνη και μπρούτζος". μια μοντέρνα εικόνα και ένα βιβλίο με το ποίημα του Ovid "The Science of Love" (γιατί ο Onegin πέτυχε στην "επιστήμη του τρυφερού πάθους"). το γραφείο του ποιητή Lensky, όπου φυλάσσονται βιβλία του Schiller και του Goethe. ένα τζάκι στο οποίο μια συλλογή βιβλίων του Ονέγκιν, που περιγράφονται από τον Πούσκιν, και ένα «πορτρέτο του Λόρδου Βύρωνα», και μια «στήλη με μια κούκλα από χυτοσίδηρο» (μια μικρή γλυπτική εικόνα του Ναπολέοντα) αποκαλύπτουν τον κόσμο των ηρώων του Πούσκιν. πνευματική αναζήτηση των συγχρόνων του ποιητή, ενώ αντιστοιχεί στο κείμενο του μυθιστορήματος. Είναι σημαντικό ότι η έκθεση επιχειρεί να ερμηνεύσει την ποιητική του «ελεύθερου μυθιστορήματος», όπου οι λυρικές παρεκβάσεις αποτελούν συνθετική αρχή. Στις κάθετες προθήκες - το πιο σημαντικό, η πρώτη έκδοση του "Eugene Onegin". το κέντρο κάθε βιτρίνας είναι μια αναπαραγωγή του αυτόγραφου του Πούσκιν με μια ή την άλλη παρέκβαση. Εδώ ακούγεται η φωνή του συγγραφέα που στοχάζεται στη ζωή και τις αξίες της, στην ποίηση, στην αθανασία του ποιητή. Η λέξη που παρουσιάζεται με αυτόν τον τρόπο συνδέεται με ένα πράγμα, ένα αντικείμενο, το οποίο με τη σειρά του λέει για την πραγματικότητα που ενσωματώνεται στον λόγο του Πούσκιν.

Η διακόσμηση της αίθουσας που είναι αφιερωμένη στην «Κόρη του Καπετάνιου» βασίζεται επίσης σε μια σύγχρονη ερμηνεία της πεζογραφίας του Πούσκιν. Το πάθος αυτού του τελευταίου ολοκληρωμένου μυθιστορήματος του Πούσκιν δεν φαίνεται στην επιβεβαίωση της λαϊκής εξέγερσης και του αρχηγού της Πουγκάτσεφ, αλλά στην καλοσύνη και την αρχοντιά που έσωσαν τη Μάσα Μιρόνοβα και τον Γκρίνεφ σε μια τρομερή καταιγίδα αιματηρής εξέγερσης και, σύμφωνα με τον συγγραφέα, μπορεί να σώσει τη Ρωσία από έναν αδελφοκτόνο πόλεμο.

Ο μπροστινός συμβιβασμός τελειώνει με μια αίθουσα τελετών αφιερωμένη στα τελευταία χρόνια της ζωής του Πούσκιν. Τα πορτρέτα, τα βιβλία, τα χειρόγραφα και τα έγγραφα που συγκεντρώθηκαν εδώ μιλούν για τη θαρραλέα αντίστασή του στις περιστάσεις, τον θρίαμβο του πανίσχυρου πνεύματός του και την αιωνιότητα της τέχνης που δημιούργησε.

Η έκθεση «Ο Πούσκιν και η εποχή του» είναι ουσιαστικά μια νέα συλλογική μονογραφία πάνω στο δηλωμένο θέμα. Εισάγει στην κυκλοφορία πολλά άγνωστα υλικά που μελετήθηκαν από το προσωπικό του μουσείου - πορτρέτα, βιβλία, έγγραφα, χειρόγραφα. Ανάμεσά τους είναι πορτρέτα ζωής του Πούσκιν και των συγχρόνων του, το αυτόγραφο του μεγάλου ποιητή, αυτόγραφα άλλων συγγραφέων, σπάνια βιβλία και ντοκουμέντα. Επιπλέον, η μελέτη της συλλογής που συλλέγει το μουσείο επιτρέπει όχι μόνο την κατανόηση της ζωής και του έργου του ποιητή στο ευρύ πλαίσιο της εποχής του, αλλά και την ανίχνευση της παράδοσης Πούσκιν στην πολιτιστική ιστορία του 19ου-20ου αιώνα. Η έκθεση θα συνεχιστεί με αίθουσες που αφηγούνται τον Πούσκιν στο κίνημα των εποχών, δωμάτια όπου θα παρουσιαστούν μεμονωμένες συλλογές - η μοναδική βιβλιοθήκη ρωσικής ποίησης του Ι.Ν. Rozanova; συλλογή για την ιστορία των ρωσικών ευγενών οικογενειών Yu.B. Shmarova; συλλογή πορτρέτων σε χαρακτικά και λιθογραφίες του Ya.G. Zach; σπάνια υλικά P.V. Gubar - βιβλία του 18ου-19ου αιώνα, εικονογραφία της Αγίας Πετρούπολης στην προ-Πούσκιν και την εποχή του Πούσκιν.

Το μουσείο έχει μεγάλα σχέδια, στα οποία οι εκθεσιακές εργασίες δίνονται σε έναν από τους τομείς δραστηριότητας προτεραιότητας. "Υπάρχουν θαύματα εκεί..." - αυτό θα είναι το όνομα της έκθεσης αφιερωμένης στα παραμύθια του Πούσκιν, που απευθύνεται στα παιδιά. Η ιστορία του Μουσείου Πούσκιν της Μόσχας και η συμβολή του στον εθνικό πολιτισμό θα λάβουν επίσης μια λύση έκθεσης. Μια άλλη μερική επανέκθεση στο μνημείο του Πούσκιν στο Arbat... Υπάρχουν σχέδια για τη δημιουργία ενός μνημείου στη Basmannaya για τον Vasily Lvovich Pushkin - τον θείο του μεγάλου ποιητή, διάσημο ποιητή στις αρχές του περασμένου αιώνα, επικεφαλής του ο λογοτεχνικός κύκλος Arzamas, θεατρολόγος και βιβλιόφιλος, ένας Μοσχοβίτης που έχει γίνει μοναδικό ορόσημο του Μητρικού Θρόνου...

30 Νοεμβρίου 1998 στο Κρατικό Μουσείο Καλών Τεχνών. ΟΠΩΣ ΚΑΙ. Ο Πούσκιν (Μουσείο Πούσκιν) άνοιξε την έκθεση «Ευγένιος Ονέγκιν», «...Η απόσταση του ελεύθερου μυθιστορήματος» (που δημιουργήθηκε από το μουσείο μας μαζί με το Μουσείο Πούσκιν με τη συμμετοχή άλλων 14 μουσείων στη Μόσχα, την Αγία Πετρούπολη, το Κλιν) . Έχουν συλληφθεί και άλλα έργα: «Ο Πούσκιν στα αρχεία της Μόσχας», «Ο Πούσκιν και ο παγκόσμιος πολιτισμός»... Στο κατώφλι του 21ου αιώνα. Το μουσείο συνεχίζει τη δημιουργική του αναζήτηση.

Διδάκτωρ Φιλολογίας, τακτικό μέλος της Ρωσικής Ακαδημίας Εκπαίδευσης N.I. MIKHAILOVA, Αναπληρώτρια Διευθύντρια Επιστημονικού Έργου του Κρατικού Μουσείου A.S. Πούσκιν

Σήκω, προφήτη, και δες και άκου,
Να εκπληρωθεί με τη θέλησή μου,
Και, παρακάμπτοντας τις θάλασσες και τη στεριά,
Κάψτε τις καρδιές των ανθρώπων με το ρήμα.
Α. Σ. Πούσκιν

Δύο συναισθήματα είναι υπέροχα κοντά μας -
Η καρδιά βρίσκει φαγητό μέσα τους -
Αγάπη για τις εγγενείς στάχτες,
Αγάπη για τα φέρετρα των πατέρων.
Α. Σ. Πούσκιν

«Ο Peter (. - L.R.) προκάλεσε τη Ρωσία, στην οποία απάντησε με ένα κολοσσιαίο φαινόμενο», αυτά τα λόγια του A.I. Herzen δεν είναι υπερβολή. Μόλις στις αρχές του 19ου αιώνα. Εκπληκτικές αλλαγές έχουν λάβει χώρα στη ρωσική καλλιτεχνική κουλτούρα, που προκλήθηκαν από τον συνεχιζόμενο διάλογο μεταξύ δύο ισχυρών ρωσικών πολιτιστικών παραδόσεων. Το πρώτο από αυτά, αρχαίο, λαϊκό, γεννήθηκε στα τέλη του 10ου αιώνα. στα βάθη της πνευματικότητας και φωτίζεται από τα ονόματα του Αντώνιου του Πετσέρσκ, του Ντμίτρι του Ροστόφ, του Σεραφείμ του Σάρωφ. Η δεύτερη είναι επίσημη, ευγενής, νέα, αλλά είχε ήδη πίσω της μια πλούσια εμπειρία του «ρωσικού ευρωπαϊσμού» του 18ου αιώνα. Ο διάλογός τους (αλλά κατά την έκφραση του D.S. Likhachev, «ο συνδυασμός διαφορετικών κληροδοτημάτων») δεν ήταν άμεσος και άμεσος.

Αρκεί να θυμηθούμε ότι πολλοί ευγενείς της εποχής Πούσκιν, και ο ίδιος ο Αλέξανδρος Σεργκέεβιτς, δεν γνώριζαν καν τον μεγάλο σύγχρονο τους, τον Γέροντα Σεραφείμ του Σάρωφ (1760-1833), ένα βιβλίο προσευχής για τη ρωσική γη. Πρόκειται για κάτι άλλο: αρχές XIX V. Η ρωσική κοσμική κουλτούρα, και κυρίως η καλλιτεχνική κουλτούρα, απέκτησε τα χαρακτηριστικά της ωριμότητας. Οι Ρώσοι δάσκαλοι έμαθαν να ενσωματώνουν σε καλλιτεχνικές εικόνες όλες εκείνες τις ιδέες και τα ιδανικά που γαλουχήθηκαν από τον ρωσικό λαό σε όλη την Ορθόδοξη ιστορία του. Επομένως, τα χριστιανικά θεμέλια της τέχνης είναι τα πρώτα μισό του 19ου αιώνα V. μπορεί να εντοπιστεί σε όλα: στην επιθυμία να κατανοήσουμε τις υψηλές αλήθειες και τους νόμους της Ύπαρξης, και στην επιθυμία να κατανοήσουμε και να αντικατοπτρίσουμε σε καλλιτεχνικές εικόνες τα βάσανα και την ατυχία ενός απλού, μειονεκτούντος ατόμου και σε μια παθιασμένη διαμαρτυρία ενάντια στα ψέματα, μίσος και αδικία αυτού του κόσμου.

Και επίσης - στην αναπόδραστη αγάπη για τη Ρωσία, για τις ατελείωτες εκτάσεις της, για την πολύπαθη ιστορία της. Και τέλος, στο διαπεραστικό-ηχητικό θέμα της ευθύνης του καλλιτέχνη-δημιουργού, του καλλιτέχνη-προφήτη προς τον λαό για κάθε έργο του. Με άλλα λόγια, η αιωνόβια Ορθόδοξη πνευματικότητα διαμόρφωσε έναν άγραφο ηθικό κώδικα μεταξύ Ρώσων καλλιτεχνών, συνθετών και συγγραφέων, ο οποίος έγινε ο κύριος οδηγός στη δημιουργική αναζήτηση του «δικού τους μονοπατιού» στην τέχνη της εποχής Πούσκιν και στις δεκαετίες που το ακολούθησε. Ολοκληρώνοντας αυτό το σύντομο προοίμιο για το κύριο περιεχόμενο της ενότητας, θα ήθελα να συγκρίνω τις δηλώσεις δύο μεγάλων γιων της Ρωσίας. «Αποκτήστε ένα ειρηνικό πνεύμα», είπε ο Γέροντας Σεραφείμ του Σάρωφ. «Και αναζωογονήστε το πνεύμα της ταπεινοφροσύνης, της υπομονής, της αγάπης και της αγνότητας στην καρδιά μου», έγραψε ο A.S. Pushkin λίγο πριν από το θάνατό του. Στην ιστορία της ρωσικής καλλιτεχνικής κουλτούρας, ο 19ος αιώνας ονομάζεται συχνά «χρυσή εποχή», που χαρακτηρίζεται από τη λαμπρή ανάπτυξη της λογοτεχνίας και του θεάτρου, της μουσικής και της ζωγραφικής. Οι μάστορες της «χρυσής εποχής» έκαναν μια γρήγορη ανακάλυψη στα ύψη της δημιουργικότητας στις πιο σύνθετες ευρωπαϊκές μορφές και είδη, όπως το μυθιστόρημα, η όπερα και η συμφωνία. Η «ρωσική ευρωπαϊκή» του 18ου αιώνα έχει γίνει παρελθόν, μαζί με το ξεπερασμένο λεξιλόγιο της καθομιλουμένης και τις κονιοποιημένες περούκες της εποχής της Catherine. Οι δημιουργοί της κλασικιστικής τέχνης του Διαφωτισμού, οι «ηττημένοι δάσκαλοι» - Ντερζάβιν και Λεβίτσκι, Μπαζένοφ και Μπορτνιάνσκι - αντικαταστάθηκαν γρήγορα από μια νέα γενιά Ρώσων καλλιτεχνών - «νικητές-μαθητές». Ο πρώτος από αυτούς θεωρείται δικαίως ο A. S. Pushkin (1799-1837).

Εποχή Πούσκιν, δηλ. Οι τρεις πρώτες δεκαετίες της «χρυσής εποχής» είναι η «αρχή των απαρχών» των επιτευγμάτων, των ανακαλύψεων και των αποκαλύψεων των μεγάλων Ρώσων κλασικών, η ώθηση που προκαθόρισε την περαιτέρω πολιτιστική ανάπτυξη της Ρωσίας. Αποτέλεσμα αυτής της κίνησης είναι η ανύψωση της τέχνης στο επίπεδο της υψηλής φιλοσοφίας, πνευματικής και ηθικής διδασκαλίας. Προβλήματα του Θεού και του γήινου, της ζωής και του θανάτου, της αμαρτίας και της μετάνοιας, της αγάπης και της συμπόνιας - όλα αυτά πήραν μια καλλιτεχνική μορφή, αιχμαλωτίζοντας τον περίπλοκο, εξαιρετικό κόσμο του Ρώσου ατόμου, που δεν αδιαφορεί για τη μοίρα της Πατρίδας και είναι προσπαθώντας να λύσει τα πιο πιεστικά προβλήματα της Ύπαρξης. Οι δημιουργοί της εποχής Πούσκιν έθεσαν το κύριο πράγμα στα ρωσικά κλασικά - τον δάσκαλό του, τον ηθικό και εκπαιδευτικό χαρακτήρα, την ικανότητά του να ενσωματώνει την καθημερινή πραγματικότητα, χωρίς να έρχεται σε αντίθεση με τους αιώνιους νόμους της ομορφιάς και της αρμονίας. Η εποχή Πούσκιν είδε δύο σημαντικά γεγονότα για τη Ρωσία - τον Πατριωτικό Πόλεμο του 1812 και την εξέγερση των Δεκεμβριστών του 1825. Αυτές οι ανατροπές δεν πέρασαν χωρίς ίχνος. Συνέβαλαν στην ωρίμανση στη ρωσική δημόσια συνείδηση ​​των συναισθημάτων διαμαρτυρίας, της αίσθησης της εθνικής αξιοπρέπειας, του πολιτικού πατριωτισμού και της αγάπης για ελευθερία, που συχνά έρχονταν σε σύγκρουση με τα αιωνόβια θεμέλια του αυταρχικού κράτους. Λαμπερή στα καλλιτεχνικά της πλεονεκτήματα, η ρεαλιστική κωμωδία του A. S. Griboyedov «Woe from Wit», που αποτύπωσε την αντιπαράθεση μεταξύ «ένας λογικός άνθρωπος» από τη μορφωμένη «μη μαστιγωμένη γενιά» (A.I. Herzen) των Ρώσων ευγενών και των συντηρητικών ευγενών είναι πειστική απόδειξη αυτού.

Μέσα στην καταιγιστική πολυφωνία ιδεολογιών, απόψεων και στάσεων, γεννήθηκε και έλαβε χώρα ένα φαινόμενο που σήμερα ονομάζουμε «η ιδιοφυΐα του Πούσκιν». Το έργο του Πούσκιν είναι σύμβολο της ρωσικής τέχνης για όλες τις εποχές. Η ποίηση και η πεζογραφία του αποτύπωσαν βαθιά και πολύπλευρα την εθνική πνευματική εμπειρία και τις παραδοσιακές ηθικές αξίες του ρωσικού λαού. Ταυτόχρονα, είναι προφανής η μοναδική ικανότητα του Πούσκιν να αντιλαμβάνεται τον παγκόσμιο πολιτισμό ως ένα ενιαίο σύνολο στο χώρο και στο χρόνο και να ανταποκρίνεται στους απόηχους των προηγούμενων αιώνων με όλη την εγγενή του «παγκόσμια ανταπόκριση» (Φ. Μ. Ντοστογιέφσκι). Εδώ πρέπει να υπενθυμίσουμε για άλλη μια φορά ότι ήταν ο Πούσκιν, όπως πιστεύουν πολλοί ερευνητές, που κατάφερε να «ξεπεράσει τη δυαδικότητα του ρωσικού πολιτισμού, να βρει το μυστικό του συνδυασμού των αντίθετων αρχών του. Η σύνθεση του βαθιά εθνικού και αληθινά ευρωπαϊκού περιεχομένου στο έργο του συμβαίνει εξαιρετικά φυσικά. Οι ιστορίες του διαβάζονταν τόσο σε αρχοντικά σαλόνια όσο και σε καλύβες αγροτών. Με τα έργα του Πούσκιν, η ρωσική αυτοσυνείδηση ​​εισήλθε στον τεράστιο κόσμο του νέου ευρωπαϊκού πολιτισμού.<…>Η «Χρυσή Εποχή» της ρωσικής κουλτούρας φέρει ένα ξεχωριστό αποτύπωμα του στυλ του Πούσκιν. Αυτό μας επιτρέπει να ορίσουμε υπό όρους τον τύπο αυτής της πολιτιστικής εποχής ως το μοντέλο «Πούσκιν» του ρωσικού πολιτισμού» 1. Πιθανότατα έχουν γραφτεί περισσότερα για τον συγγραφέα Πούσκιν παρά για οποιαδήποτε άλλη Ρωσική ιδιοφυΐα 2 . Επομένως, ας προχωρήσουμε στην εξέταση των φαινομένων της καλλιτεχνικής κουλτούρας που προέκυψαν στα βάθη της εποχής Πούσκιν. Ο V.F. Odoevsky κάλεσε τον A.S. Πούσκιν «ο ήλιος της ρωσικής ποίησης».

Για να παραφράσουμε αυτές τις λέξεις, ο ιδρυτής της ρωσικής μουσικής κλασικής σχολής M. I. Glinka (1804-1857) μπορεί να ονομαστεί «ο ήλιος της ρωσικής μουσικής». Με τη δύναμη της ιδιοφυΐας του, ο Γκλίνκα ήταν ο πρώτος που το συμπέρασε μουσική τέχνηΗ Ρωσία είναι ένα από τα σημαντικότερα φαινόμενα του παγκόσμιου πολιτισμού. Καθιέρωσε τις αρχές της εθνικότητας και του εθνικού χαρακτήρα στη ρωσική μουσική, συνδέοντας οργανικά τα επιτεύγματα της ευρωπαϊκής τέχνης με το ρωσικό λαϊκό τραγούδι. Η καλλιτεχνική πίστη του συνθέτη μπορεί να θεωρηθεί τα λόγια του: «...ο λαός δημιουργεί μουσική και εμείς, οι συνθέτες, μόνο τη διασκευάζουμε». Ο λαός είναι ο κύριος χαρακτήρας των έργων του, ο φορέας των καλύτερων ηθικών προσόντων, της αξιοπρέπειας και του πατριωτισμού. Ο εκφραστής της εθνικότητας ήταν η μελωδική μελωδία του Glinka, ειλικρινής, αυθόρμητη, που αναπτύχθηκε από τα βαθιά στρώματα της ρωσικής μουσικής λαογραφίας. Κάθε φωνή στον μουσικό ιστό των έργων του τραγουδά με τον δικό της τρόπο, υπακούοντας στη λογική της συνολικής εξέλιξης. Το άσμα του Γκλίνκα κάνει τη μουσική του παρόμοια με τα δημοτικά τραγούδια, καθιστώντας την εθνικά έγχρωμη και εύκολα αναγνωρίσιμη. Ταυτόχρονα, ο συνθέτης ήταν ανεξάντλητα εφευρετικός στην παραλλακτική ανάπτυξη των μουσικών θεμάτων. Αυτή η μέθοδος σύνθεσης, επίσης «ακουσμένη» από τα Ρωσικά παραδοσιακό τραγούδι, γίνεται «ορόσημο» για τη ρωσική κλασική μουσική του 19ου αιώνα. Όποιος ακούει τη μουσική του Glinka δεν θα χάσει τον παράλληλο Glinka-Pushkin. Αυτή η σύγκριση είναι αναπόφευκτη: η ποίηση του Πούσκιν ακούγεται τόσο στα ειδύλλια του Γκλίνκα όσο και στην όπερα «Ρουσλάν και Λιουντμίλα». Και οι δύο δάσκαλοι ήταν οι ιδρυτές και οι πρωτοπόροι της «χρυσής εποχής». Όπως η ποίηση του Πούσκιν, η μουσική του Γκλίνκα ενσαρκώνει μια αρχή υγιούς ζωής, τη χαρά της ύπαρξης και μια αισιόδοξη αντίληψη του κόσμου. Αυτή η συγγένεια συμπληρώνεται από αυτή την «παγκόσμια ανταπόκριση» που είναι εξίσου εγγενής τόσο στον ποιητή όσο και στον συνθέτη. Η Γκλίνκα ήταν κοντά στις ιδιοσυγκρασιακές μελωδίες της Ανατολής, την κομψή χάρη των πολωνικών χορών, τις πιο περίπλοκες μελωδικές γραμμές των ιταλικών άριων όπερας και τους παθιασμένους ισπανικούς ρυθμούς. Ακούγοντας τον κόσμο των ξένων μουσικών πολιτισμών, ο συνθέτης, σαν δεινός συλλέκτης, συγκέντρωσε ανεκτίμητους μουσικούς θησαυρούς διαφορετικών εθνών και τους διαθλούσε στο έργο του. Αυτές περιλαμβάνουν υπέροχες πολωνικές σκηνές στην όπερα «Μια ζωή για τον Τσάρο» και εικόνες της «Ρωσικής Ισπανίας» στις «Ισπανικές Υπερτούρες» για συμφωνική ορχήστρα και «Ρωσική Ανατολή» στην όπερα «Ρουσλάν και Λιουντμίλα». Η κεντρική θέση στην κληρονομιά του Γκλίνκα ανήκει στην όπερα. Ο συνθέτης έθεσε τα θεμέλια για δύο κορυφαία είδη όπερας στη ρωσική κλασική μουσική - την όπερα-δράμα και την επική όπερα-παραμύθι. Ο Γκλίνκα αποκάλεσε την όπερα του «Μια ζωή για τον Τσάρο» (1836) «εθνικό ηρωικό-τραγικό».

Το έργο, βασισμένο σε πραγματικά γεγονότα της ρωσικής ιστορίας στις αρχές του 17ου αιώνα, είναι αφιερωμένο σε ένα βαθιά πατριωτικό θέμα: ο πρεσβύτερος του χωριού Ιβάν Σουσάνιν πεθαίνει, με τίμημα της ζωής του, σώζοντας τη βασιλική οικογένεια από τη σφαγή των Πολωνών εισβολέων. . Για πρώτη φορά στη ρωσική μουσική, ο κύριος χαρακτήρας μιας σύνθεσης όπερας είναι οι απλοί άνθρωποι - φορείς υψηλών πνευματικών ιδιοτήτων, καλοσύνης και δικαιοσύνης. Στις μαζικές λαϊκές σκηνές που πλαισιώνουν την όπερα ξεχωρίζουν η εισαγωγή (από το λατινικό introductio - εισαγωγή) και ο επίλογος, όπου ο Γκλίνκα συνέθεσε τους μεγαλειώδεις ύμνους της Ρωσίας. Η διάσημη χορωδία «Glory», την οποία ο συνθέτης ονόμασε «ύμνο της πορείας», ακούγεται νικηφόρα και πανηγυρικά στο φινάλε της όπερας. Ο Γκλίνκα προίκισε τον κύριο τραγικό χαρακτήρα της όπερας, τον αγρότη Ιβάν Σουσάνιν, με τα πραγματικά χαρακτηριστικά ενός Ρώσου αγρότη - πατέρα, οικογενειάρχη και αφέντη. Ταυτόχρονα, η εικόνα του ήρωα δεν έχει χάσει το μεγαλείο της. Σύμφωνα με τον συνθέτη, η Susanin αντλεί πνευματική δύναμη για ανιδιοτελείς πράξεις από την πηγή της ορθόδοξης πίστης, από ηθικά θεμέλια Ρωσική ζωή. Επομένως, το μέρος του περιέχει θέματα βγαλμένα από λαϊκές σκηνές. Ας σημειώσουμε: Ο Γκλίνκα σχεδόν δεν χρησιμοποιεί γνήσια λαϊκά τραγούδια στην όπερα: δημιουργεί τις δικές του μελωδίες που προσεγγίζουν τον τονισμό του δημοτικού μουσικού λόγου.

Ωστόσο, για την πρώτη εμφάνιση στη σκηνή του Ivan Susanin, ο συνθέτης πήρε ωστόσο μια πραγματική λαϊκή μελωδία - μια μελωδία που ηχογραφήθηκε από έναν οδηγό ταξί της Λούγκα (στην παρατήρηση της όπερας Susanin: "Γιατί να μαντέψετε για τον γάμο"). Δεν είναι τυχαίο ότι οι εχθροί του συνθέτη, μετά την επιτυχημένη πρεμιέρα της όπερας, την ονόμασαν «όπερα του αμαξά». Αλλά ο A.S. Pushkin απάντησε στη δημιουργία του Glinka με ένα υπέροχο αυτοσχέδιο: Ακούγοντας αυτή την καινοτομία, ο φθόνος, σκοτεινός από θυμό, Αφήστε το να αλέθει, αλλά δεν μπορεί να πατήσει τον Glinka στο χώμα. Μια άλλη κορυφή στο έργο του M. I. Glinka είναι η όπερα "Ruslan and Lyudmila" (1842) βασισμένη στο νεανικό ποίημα του A. S. Pushkin. Ο συνθέτης ήλπιζε ότι ο ίδιος ο Πούσκιν θα έγραφε το λιμπρέτο, αλλά ο πρόωρος θάνατος του ποιητή κατέστρεψε αυτό το όμορφο σχέδιο. Χωρίς να αλλάξει το περίγραμμα του κειμένου του Πούσκιν, ο Γκλίνκα έκανε κάποιες προσαρμογές σε αυτό: αφαίρεσε το άγγιγμα της ειρωνείας και του παιχνιδιού και προίκισε τους κύριους χαρακτήρες - Ruslan και Lyudmila - με βαθιούς, δυνατούς χαρακτήρες.

Ορισμένες αλλαγές σχετίζονται επίσης με τις ιδιαιτερότητες του είδους της όπερας. Έτσι, για παράδειγμα, αν στον Πούσκιν η πριγκιπική γιορτή στο Κίεβο καταλαμβάνει και τις δεκαεπτά ποιητικές γραμμές, τότε στη Γκλίνκα αυτές οι διακοπές μετατρέπονται σε μια μεγαλειώδη μουσική σκηνή, πλούσια και υπέροχη. Το "Ruslan and Lyudmila" είναι μια επική όπερα, που σημαίνει ότι η σύγκρουση σε αυτήν αποκαλύπτεται όχι μέσω μιας άμεσης σύγκρουσης αντίπαλων δυνάμεων, αλλά με βάση μια χαλαρή εξέλιξη των γεγονότων, που αποτυπώνονται σε τελειωμένες εικόνες που έχουν αυστηρή λογική. Η εισαγωγή και το φινάλε που πλαισιώνουν την όπερα εμφανίζονται ως μεγαλοπρεπείς τοιχογραφίες της αρχαίας σλαβικής ζωής. Ανάμεσά τους, ο συνθέτης τοποθέτησε αντιθετικές μαγικές πράξεις που απεικόνιζαν τις περιπέτειες των ηρώων στο βασίλειο της Naina και του Chernomor. Το "Ruslan and Lyudmila" συνδυάζει τα χαρακτηριστικά ενός έπους, ενός παραμυθιού και ενός λυρικού ποιήματος, έτσι ώστε οι ηρωικές, λυρικές και φανταστικές γραμμές να διακρίνονται στη μουσική της όπερας. Η ηρωική γραμμή ανοίγει με τα τραγούδια του Bayan στην εισαγωγή ενός μουσικού έργου και συνεχίζει στην ανάπτυξη της εικόνας του ευγενούς πολεμιστή Ruslan. Η λυρική γραμμή είναι εικόνες αγάπης και πίστης. Αντιπροσωπεύεται στις άριες των Λιουντμίλα, Ρουσλάν και στη μπαλάντα του Φιν. Οι ανάλαφροι χαρακτήρες της όπερας αντιπαραβάλλονται με την «κακή φαντασία» - τις δυνάμεις της μαγείας, της μαγείας και του ανατολίτικου εξωτισμού.

Στις φανταστικές σκηνές, ο συνθέτης χρησιμοποίησε πολύχρωμα, ασυνήθιστα ηχητικά μέσα ορχηστρικής εκφραστικότητας και αυθεντικά λαϊκά θέματα που βρέθηκαν σε διάφορες περιοχές του Καυκάσου και της Μέσης Ανατολής. Οι αντιήρωες της όπερας δεν έχουν ανεπτυγμένα φωνητικά χαρακτηριστικά και ο κακός Τσερνομόρ είναι ένας εντελώς βουβός χαρακτήρας. Ο συνθέτης δεν στέρησε το χιούμορ από τα μαγικά κακά πνεύματα του Πούσκιν. Η περίφημη «Πορεία του Τσερνομόρ» μεταφέρει τα χαρακτηριστικά ενός τρομερού αλλά αστείου νάνου, του οποίου ο παραμυθένιος κόσμος είναι απατηλός και βραχύβιος. Η συμφωνική κληρονομιά του Γκλίνκα είναι μικρή σε έκταση. Μεταξύ των ορχηστρικών αριστουργημάτων της Glinka είναι τα "Waltz-Fantasy", "Kamarinskaya", " Αραγωνική τζότα", "Memories of a Summer Night in Madrid", η μουσική του οποίου περιέχει τις κύριες αρχές του ρωσικού κλασικού συμφωνισμού. Ένας ιδιαίτερος τομέας του έργου του συνθέτη είναι τα "Pushkin romances": "Είμαι εδώ, Inesilya", "Night Zephyr", "Η φωτιά της επιθυμίας καίει στο αίμα", "Θυμάμαι μια υπέροχη στιγμή" και πολλά άλλα Pushkin Οι γραμμές βρήκαν μια εκπληκτικά ευαίσθητη και εκφραστική ενσάρκωση στους μαγικούς ήχους Glinka. Η διαδικασία του οργανικού συνδυασμού δύο πολιτιστικών παραδόσεων - βαθιάς εθνικής και πανευρωπαϊκής - αντικατοπτρίστηκε ξεκάθαρα στην εικαστική τέχνη. Το ρωσικό χωριό, η ζωή των αγροτών και των απλών κατοίκων της πόλης - αυτές είναι οι εικόνες των έργων ζωγραφικής των εξαιρετικών δασκάλων της εποχής Πούσκιν A.G. Venetsianov και V.A. Tropinin. Τα έργα του A.G. Venetsianov (1780-1847) φέρουν ίχνη κλασικιστικών ιδεών για τα υψηλά ιδανικά της αρμονικής ομορφιάς. Όταν, με απόφαση του αυτοκράτορα Αλέξανδρου Α', άνοιξε μια έκθεση Ρώσων καλλιτεχνών στα Χειμερινά Ανάκτορα, οι πίνακες του Βενετσιάνοφ πήραν υπερηφάνεια τη θέση τους σε αυτήν. Αυτό δεν είναι τυχαίο. Ένας αξιόλογος δάσκαλος, ο Βενετσιάνοφ θεωρείται δικαίως ο ιδρυτής ενός νέου πολλά υποσχόμενου καθημερινού είδους στη ρωσική ζωγραφική. Ο γιος ενός εμπόρου της Μόσχας, ο A.G. Venetsianov στα νιάτα του εργάστηκε τόσο ως σχεδιαστής όσο και ως τοπογράφος, μέχρι που συνειδητοποίησε ότι η αληθινή του κλήση ήταν η ζωγραφική.

Έχοντας μετακομίσει από τη Μόσχα στην Αγία Πετρούπολη, άρχισε να παίρνει μαθήματα από τον διάσημο πορτραίτη V.L. Borovikovsky και γρήγορα καθιερώθηκε ως συγγραφέας κλασικιστικών τελετουργικών πορτρέτων. Η στροφή στο δημιουργικό του πεπρωμένο συνέβη απροσδόκητα. Το 1812, ο καλλιτέχνης απέκτησε μια μικρή περιουσία στην επαρχία Tver, όπου εγκαταστάθηκε. Η ζωή των αγροτών κατέπληξε και ενέπνευσε τον πλοίαρχο σε εντελώς νέα θέματα και θέματα. Χωρικοί που καθαρίζουν παντζάρια, σκηνές οργώματος και συγκομιδής, χόρτο, βοσκός που αποκοιμιέται δίπλα σε ένα δέντρο - όλα αυτά εμφανίζονται στους καμβάδες του καλλιτέχνη ως ένας ιδιαίτερος ποιητικός κόσμος, χωρίς αντιφάσεις και συγκρούσεις. Στους «ήσυχους» πίνακες του A. G. Venetsianov δεν υπάρχει ανάπτυξη πλοκής. Τα έργα του είναι εμπνευσμένα από μια κατάσταση αιώνιας ευημερίας και αρμονίας μεταξύ ανθρώπου και φύσης. Η ομορφιά του συγκινητικού, που δημιούργησε επιδέξια ο ζωγράφος υπογραμμίζει πάντα την πνευματική γενναιοδωρία, την αξιοπρέπεια, την αρχοντιά ενός απλού αγρότη, που συνδέεται για πάντα με την πατρίδα του, με τις αρχαίες παραδόσεις και τα θεμέλιά του ("The Sleeping Shepherd", 1823 - 1824; " Στην καλλιεργήσιμη γη. Άνοιξη», δεκαετία του 1820 .. «Στη συγκομιδή. Καλοκαίρι», δεκαετία του 1820· «Θεριστές», δεκαετία του 1820).

Τόσο ήρεμα και αρμονικά εσωτερικός κόσμοςήρωες των πινάκων του V.A. Trolinin (1776-1857), ένας αξιόλογος δεξιοτέχνης της προσωπογραφίας από τη Μόσχα. Ο Τροπινίν πέτυχε φήμη, επιτυχία και τον τίτλο του ακαδημαϊκού χάρη στο τεράστιο ταλέντο του και την ικανότητά του να ακολουθεί το κάλεσμα της ζωής του, παρά τα εμπόδια που ετοίμασε η μοίρα. Ένας δουλοπάροικος, ο Tropinin υπηρέτησε ως πεζός για τα αφεντικά του σχεδόν μέχρι τα βαθιά γεράματα, και έλαβε την ελευθερία του μόλις σε ηλικία σαράντα πέντε ετών υπό την πίεση του κοινού, όντας ήδη διάσημος καλλιτέχνης. Το κύριο πράγμα που κατάφερε ο πλοίαρχος ήταν να καθιερώσει τις καλλιτεχνικές του αρχές, όπου το κυριότερο ήταν η αλήθεια του περιβάλλοντος και η αλήθεια του χαρακτήρα. Οι ήρωες των πινάκων του Tropinin αισθάνονται ανάλαφροι και χαλαροί. Συχνά απορροφημένοι στη συνηθισμένη τους δουλειά, δεν φαίνεται να παρατηρούν τη μεγάλη προσοχή που τους δίνεται. Πολυάριθμοι «Δαντελοποιοί», «Χρυσοί Μοδίστρες», «Κιθαρίστες» υποδεικνύουν ότι ο Τροπινίν, όπως και ο Βενετσιάνοφ, εξιδανικεύει κάπως τα μοντέλα του, αναδεικνύοντας σπίθες εύλογης ομορφιάς και καλοσύνης στην καθημερινή ζωή. Ανάμεσα στα έργα του καλλιτέχνη, ξεχωριστή θέση κατέχουν οι εικόνες ανθρώπων της τέχνης, στερούμενες κάθε τελετουργικής πομπωδίας, ελκυστικές με το πλούσιο εσωτερικό τους περιεχόμενο. Αυτά είναι τα πορτρέτα του A.S. Pushkin (1827), του K.P. Bryullov (1836), μια αυτοπροσωπογραφία με φόντο ένα παράθυρο με θέα στο Κρεμλίνο (1844), «Guitar Player» (πορτρέτο του μουσικού V.I. Morkov, 1823). Ακόμη και κατά τη διάρκεια της ζωής του A.S. Pushkin, οι λέξεις " Μεγάλος Κάρολος", που ειπώθηκε από έναν από τους συγχρόνους του, θα μπορούσε να σημαίνει μόνο ένα πράγμα - το όνομα του λαμπρού καλλιτέχνη K.P. Bryullov (1799-1852).

Κανένας από τους Ρώσους δασκάλους δεν είχε τέτοια φήμη εκείνη την εποχή. Φαινόταν ότι όλα ήρθαν πολύ εύκολα στον Bryullov. Ωστόσο, πίσω από το ελαφρύ πινέλο κρυβόταν απάνθρωπη εργασία και μια διαρκής αναζήτηση για αβάσταχτα μονοπάτια στην τέχνη. Ρίξτε μια πιο προσεκτική ματιά στο περίφημο «Αυτοπροσωπογραφία» (1848). Μπροστά μας είναι ένας εξαιρετικός άνθρωπος, σίγουρος για τον εαυτό του και τον επαγγελματισμό του, αλλά ταυτόχρονα απίστευτα κουρασμένος από το βάρος της φήμης. Τα έργα του K. P. Bryullov γοήτευσαν το κοινό με τη λαμπρότητα του ταμπεραμέντου τους, την αίσθηση της φόρμας και τη δυναμική του πλούσιου χρώματος. Απόφοιτος της Ακαδημίας Τεχνών, ο Bryullov ήδη στους πρώτους του πίνακες δήλωσε ότι είναι ανεξάρτητος δάσκαλος, ξένος στον κλειστό ακαδημαϊσμό. Γνώριζε καλά τους κανόνες του κλασικισμού, αλλά, όπως ήταν απαραίτητο, τους ξεπέρασε ελεύθερα, γεμίζοντας τις καλλιτεχνικές εικόνες με μια αίσθηση ζωντανής πραγματικότητας.

Το 1821, για τον καμβά «Η εμφάνιση τριών αγγέλων στον Αβραάμ στη βελανιδιά του Mamre», ο Bryullov τιμήθηκε με το Μικρό Χρυσό Μετάλλιο της Ακαδημίας Τεχνών. Ωστόσο, η ηγεσία της Ακαδημίας αρνήθηκε απροσδόκητα στον πλοίαρχο σύνταξη για ταξίδι στο εξωτερικό (προφανώς, ο λόγος της άρνησης ήταν η σύγκρουση ενός καβγά νέος άνδραςμε κάποιον από το ανώτερο διδακτικό προσωπικό). Μόνο η Εταιρεία Ενθάρρυνσης Καλλιτεχνών διέθεσε χρήματα για επαγγελματικό ταξίδι στο εξωτερικό. Αλλά ο Bryullov σύντομα έμαθε να κερδίζει μόνος του τα προς το ζην. Ο στόχος του ταξιδιού του ήταν παραδοσιακός - Ιταλία. Ο δρόμος προς αυτήν περνούσε από τη Γερμανία και την Αυστρία, όπου ο Bryullov σε σύντομο χρονικό διάστημα απέκτησε ευρωπαϊκό όνομα ως δεξιοτέχνης της προσωπογραφίας. Οι παραγγελίες κυριολεκτικά ξεχύθηκαν από όλες τις πλευρές.

Ταυτόχρονα, ο καλλιτέχνης ήταν εξαιρετικά απαιτητικός με τον εαυτό του και δεν δούλευε ποτέ μόνο για χρήματα. Δεν ολοκλήρωσε όλους τους καμβάδες, εγκαταλείποντας μερικές φορές έναν καμβά που δεν του άρεσε πια. Τα πλούσια χρώματα της ιταλικής φύσης ξύπνησαν την επιθυμία του Bryullov να δημιουργήσει «ηλιόλουστους» καμβάδες. Τέτοια υπέροχα έργα όπως το "Italian Morning" (1823), "Girl Picking Grapes in the Vicinity of Naples" (1827), "Italian Afternoon" (1827) είναι εμποτισμένα με μια διάθεση θαυμασμού για τις ομορφιές του κόσμου. Ο καλλιτέχνης εργάστηκε με έμπνευση και γρήγορα, αν και μερικές φορές έθρεψε τις ιδέες του για μεγάλο χρονικό διάστημα. Έτσι, το 1827, επισκέφτηκε για πρώτη φορά τα ερείπια της Πομπηίας, μιας πόλης κοντά στη Νάπολη που καταστράφηκε από την έκρηξη του Βεζούβιου το 79. Η εικόνα της τραγωδίας χτύπησε τη φαντασία του καλλιτέχνη. Αλλά μόνο λίγα χρόνια αργότερα, το 1830, ανέλαβε τον πίνακα «Η τελευταία μέρα της Πομπηίας», ολοκληρώνοντάς τον τρία χρόνια αργότερα. Δύο εικονιστικές σφαίρες ενώνονται στην εικόνα. Το πρώτο είναι ένα τρομερό στοιχείο πέρα ​​από τον έλεγχο του ανθρώπου, μια θανατηφόρα ανταπόδοση για τις αμαρτίες του (θυμηθείτε ότι, σύμφωνα με το μύθο, η Πομπηία και το Ερκουλάνο τιμωρήθηκαν από τον Θεό ως πόλεις ακολασίας, ως τόπος σεξουαλικής διασκέδασης για τους πλούσιους Ρωμαίους)1. Το δεύτερο είναι μια εικόνα ανθρωπιάς, θυσίας, πόνου και αγάπης. Ανάμεσα στους ήρωες του καμβά, ξεχωρίζουν εκείνοι που σώζουν ό,τι πολυτιμότερο σε αυτές τις τρομερές στιγμές - παιδιά, πατέρας, νύφη. Στο βάθος, ο Bryullov απεικόνιζε τον εαυτό του με ένα κουτί μπογιάς.

Αυτός ο χαρακτήρας είναι γεμάτος μεγάλη προσοχή στην εκτυλισσόμενη τραγωδία, σαν να ετοιμάζεται να την αποτυπώσει στον καμβά. Η παρουσία του καλλιτέχνη λέει στο κοινό: αυτό δεν είναι αποκύημα της φαντασίας, αλλά η ιστορική μαρτυρία ενός αυτόπτη μάρτυρα. Στη Ρωσία, ο πίνακας «Η τελευταία μέρα της Πομπηίας» αναγνωρίστηκε επίσημα ως το καλύτερο έργο ζωγραφικής του 19ου αιώνα. Ένα δάφνινο στεφάνι κατατέθηκε στον καλλιτέχνη σε ένα ενθουσιώδες χειροκρότημα και ο ποιητής E. A. Baratynsky απάντησε στον θρίαμβο του δασκάλου με ποίηση: Και έγινε "Η τελευταία μέρα της Πομπηίας" Η πρώτη μέρα για τη ρωσική βούρτσα. Τα όμορφα ανθρώπινα σώματα και πρόσωπα πάντα προσέλκυαν τον K. P. Bryullov και πολλοί από τους ήρωές του είναι ασυνήθιστα όμορφοι. Τα τελευταία χρόνια της παραμονής του στην Ιταλία, έγραψε την περίφημη «Ιππασία» (1832). Στον καμβά υπάρχει μια υπέροχη κυρία, με την επιδεξιότητα μιας Αμαζόνας, καβάλα σε ένα καυτό άλογο. Κάποια συμβατικότητα της εμφάνισης της γοητευτικής ομορφιάς ξεπερνιέται από τη ζωντάνια του κοριτσιού που έτρεξε κοντά της (οι αδερφές Paccini, οι κόρες του Ιταλού συνθέτη, που μεγάλωσαν στο σπίτι της άτεκνης κόμισσας Yu.P. Samoilova , πόζαρε για τον κύριο).

Όχι λιγότερο όμορφο είναι το πορτρέτο της ίδιας της Yu.P. Samoilova με τη μαθήτριά της Amazilia Paccini (περίπου 1839). Υπάρχει μια αίσθηση θαυμασμού για την ομορφιά του μοντέλου ντυμένου με ένα πολυτελές φανταχτερό φόρεμα. Έτσι, η λογοτεχνία, η μουσική, η ζωγραφική της εποχής Πούσκιν, με όλη την ποικιλομορφία των εικόνων τους, μιλούν για ένα πράγμα - για τον έντονο αυτοπροσδιορισμό του ρωσικού πολιτισμού, για την επιθυμία να εδραιωθούν τα ρωσικά εθνικά πνευματικά και ηθικά ιδανικά στο «Ευρωπαϊκό πεδίο". Εκείνα τα χρόνια, δεν είχε βρεθεί ακόμη μια φιλοσοφική αιτιολόγηση για τη «ρωσική ιδέα», αλλά είχαν ήδη εμφανιστεί καλλιτεχνικές παραδόσεις, αναπτύσσοντας την ιδέα των αξιών του ρωσικού κρατιδίου, τη σημασία των ρωσικών στρατιωτικών νικών, που επισκιάστηκε από τα λάβαρα της Ορθόδοξης πίστης.

Έτσι, το 1815, στο έμβλημα της λαϊκής αγαλλίασης για τη νίκη επί του Ναπολέοντα, ο ποιητής V.A. Zhukovsky έγραψε την «Προσευχή των Ρώσων», ξεκινώντας με τις λέξεις «God Save the Tsar», η οποία αρχικά τραγουδήθηκε με θέμα τον αγγλικό ύμνο. Το 1833, ο συνθέτης A.F. Lvov (εκ μέρους του A.H. Benckendorff) δημιούργησε μια νέα μελωδία, η οποία επέτρεψε στην «Προσευχή των Ρώσων» να εγκριθεί ως ο στρατιωτικός και επίσημος ύμνος της Ρωσίας. Αλλά, ίσως, η αρχιτεκτονική ενσωμάτωσε τα ιδανικά της ηρωικής εποχής και αύξησε τη ρωσική αυτογνωσία πιο καθαρά. Εικόνες αρχιτεκτονικής των πρώτων δεκαετιών του 19ου αιώνα. εκπλήσσουν με το βασιλικό μεγαλείο, την εμβέλεια και το πολιτικό πάθος τους. Ποτέ άλλοτε η κατασκευή της Αγίας Πετρούπολης και της Μόσχας, καθώς και πολλών επαρχιακών πόλεων, δεν απέκτησε τόσο μεγαλειώδη κλίμακα. Τα επιτεύγματα της αρχιτεκτονικής, σε αντίθεση με άλλες τέχνες, συνδέονται με ένα νέο στάδιο στην ανάπτυξη του κλασικισμού, το οποίο ονομάζεται «υψηλό» ή «ρωσικό» στυλ αυτοκρατορίας. κλασικισμός του 19ου αιώνα δεν ήταν μια «επανάληψη του παρελθόντος», ανακάλυψε πολλές πρωτότυπες, καινοτόμες αρχιτεκτονικές ιδέες που κάλυπταν τις ανάγκες των συγχρόνων του. Και παρόλο που το στυλ της Αυτοκρατορίας ήρθε στη Ρωσία από την Ευρώπη, μπορεί να υποστηριχθεί ότι μόνο στο ρωσικό έδαφος έλαβε την πιο εντυπωσιακή ανάπτυξή του.

Κρίνοντας από τον αριθμό των αριστουργημάτων αυτού του στυλ, η Αγία Πετρούπολη μπορεί κάλλιστα να θεωρηθεί ένα είδος μουσειακής συλλογής του αρχιτεκτονικού κλασικισμού του 19ου αιώνα. Το κύριο χαρακτηριστικό του στυλ της Ρωσικής Αυτοκρατορίας είναι η οργανική σύνθεση της αρχιτεκτονικής, της γλυπτικής και των διακοσμητικών τεχνών. Η αισθητική κατανόηση των κατασκευαστικών εργασιών άλλαξε επίσης: τώρα κάθε κτίριο της πόλης δεν ήταν κλειστό από μόνο του, αλλά ενσωματώθηκε σε γειτονικά κτίρια συνθετικά και λογικά, με τον ακριβή υπολογισμό της δημιουργίας «πέτρινης ομορφιάς». Η δομή καθόρισε την εμφάνιση της πλατείας και η πλατεία καθόρισε την εμφάνιση των κοντινών κτιρίων της πόλης: μια τέτοια αλυσίδα γεννήθηκε σε έργα των αρχών του 19ου αιώνα. Έτσι διαμορφώνονται τα σύνολα των κεντρικών πλατειών της Αγίας Πετρούπολης - Dvortsovaya, Admiralteyskaya, Γερουσία. Η Μόσχα, η οποία υπέστη σοβαρές ζημιές από τη φωτιά του 1812, δεν υστερεί πολύ στην ανανέωση της εμφάνισής της: η περιοχή γύρω από το Κρεμλίνο αναπτύσσεται, η Κόκκινη Πλατεία ξαναχτίζεται, η πλατεία Teatralnaya σχεδιάζεται, νέες πλατείες αναδύονται στη διασταύρωση περιφερειακών και ακτινωτών δρόμων, αναπαλαιώνονται παλιά σπίτια, χτίζονται νέα αρχοντικά, κυβερνητικά γραφεία και εμπορικά κέντρα, σειρές.

Ο ιδρυτής του υψηλού ρωσικού κλασικισμού ήταν ο A. N. Voronikhin (1759-1814). Το κύριο έργο της ζωής του ήταν η κατασκευή του καθεδρικού ναού του Καζάν στην Αγία Πετρούπολη (1801-1811). Διαγωνισμός για το σχεδιασμό αυτού του κτιρίου προκηρύχθηκε επί Παύλου Α'. Είναι γνωστό ότι ο αυτοκράτορας ήθελε να χτίσει στη Ρωσία έναν ναό παρόμοιο με τον Ρωμαϊκό Καθεδρικό Ναό του Αγίου Πέτρου, αλλά ο Βορονίχιν πρότεινε μια διαφορετική λύση. Και κέρδισε τον διαγωνισμό! Ο αρχιτέκτονας συνέλαβε τον καθεδρικό ναό ως ένα παλάτι με μια μεγάλη κιονοστοιχία που καλύπτει το «σώμα» του ίδιου του ναού. Η κιονοστοιχία σχημάτιζε μια ημικυκλική πλατεία στη λεωφόρο Nevsky Prospekt, τον κεντρικό δρόμο της Αγίας Πετρούπολης. Αποτελείται από 94 κίονες κορινθιακού ρυθμού, ύψους περίπου 13 μέτρων, που «ρέουν» κατευθείαν στην πόλη (παρεμπιπτόντως, αυτή είναι η μόνη ομοιότητα με τον καθεδρικό ναό του Αγίου Πέτρου, που συμφωνήθηκε με τον Παύλο Α΄). Παρά τους τεράστιους όγκους του, το ιερό του Καζάν φαίνεται χωρίς βάρος. Η εντύπωση της ελαφρότητας, ελεύθερος, σαν να διατηρείται ο ανοιχτός χώρος ακόμα και όταν μπαίνεις μέσα. Δυστυχώς, οι πίνακες και η πολυτελής γλυπτική διακόσμηση που δημιουργήθηκαν υπό τον Voronikhin δεν έχουν φτάσει σε εμάς πλήρως. Ο καθεδρικός ναός του Καζάν πήρε αμέσως μια ξεχωριστή θέση στη δημόσια ζωή της Ρωσίας. Ήταν εδώ, στην πλατεία του καθεδρικού ναού, που ο κόσμος αποχαιρέτησε τον M. I. Kutuzov, που έφευγε για το στρατό για να πολεμήσει τον Ναπολέοντα. Εδώ, στον καθεδρικό ναό, θα ταφεί ο στρατάρχης και ο A.S. Pushkin, έχοντας επισκεφτεί τον τάφο, θα αφιερώσει τις περίφημες γραμμές στον διοικητή: Πριν από τον τάφο του αγίου στέκομαι με σκυμμένο το κεφάλι...

Όλα κοιμούνται τριγύρω. μόνο λάμπες στο σκοτάδι του ναού χρυσώνουν τους γρανιτένιους στύλους και την κρεμαστή σειρά από πανό τους.<…>Η απόλαυση ζει στο φέρετρό σας! Μας δίνει μια ρωσική φωνή. Μας λέει για εκείνη την εποχή, Όταν η φωνή της θέλησης του λαού φώναξε στα άγια γκρίζα μαλλιά σου: «Πήγαινε, σώσε!» Σηκώθηκες και έσωσες... Και σήμερα στον τοίχο κοντά στον ιερό τάφο κρέμονται τα κλειδιά των εχθρικών πόλεων που κατακτήθηκαν από τον ρωσικό στρατό στον πόλεμο του 1812. Αργότερα, μνημεία του M.I. Kutuzov και του M.B. Barclay de Tolly ανεγέρθηκαν και στις δύο πλευρές της πλατείας Καζάν - έτσι διαιώνισε τη μνήμη των ηρώων της η Ρωσία. Ο A. N. Voronikhin δεν μπορούσε πλέον να τα δει όλα αυτά - πέθανε τον Φεβρουάριο του 1814, όταν τα στρατεύματά μας πλησίαζαν ακόμη το Παρίσι. «Σταθείτε με σταθερό πόδι δίπλα στη θάλασσα...» - έτσι διατύπωσε με ακρίβεια ο Α. Σ. Πούσκιν το όνειρο του Μεγάλου Πέτρου, του ιδρυτή της βόρειας πρωτεύουσας. Αυτό το σχέδιο άρχισε να εφαρμόζεται κατά τη διάρκεια της ζωής του αυτοκράτορα. Αλλά υλοποιήθηκε στο σύνολό του μόλις τον 19ο αιώνα. Πέρασαν εκατό χρόνια, και η νέα πόλη των πλήρους χωρών, ομορφιά και θαύμα, Από το σκοτάδι των δασών, από τους βάλτους της φιλαυτίας, ανέβηκε θαυμάσια, περήφανα.<…>Κατά μήκος των πολυσύχναστων όχθες της Κοινότητας, πλήθος λεπτών παλάτια και πύργων. πλοία σε πλήθη από όλο τον κόσμο σπεύδουν σε πλούσιες προβλήτες. Ο Νέβα είναι ντυμένος με γρανίτη. Γέφυρες κρέμονταν πάνω από τα νερά. Τα νησιά ήταν καλυμμένα με τους σκουροπράσινους κήπους Της... Ο Πούσκιν, όπως πάντα, ήταν πολύ ακριβής στην περιγραφή της νέας πόλης, ευρωπαϊκή στην όψη, αλλά ρωσική στην ουσία.

Η βάση της διάταξης της Αγίας Πετρούπολης καθορίστηκε από τον ποταμό - ιδιότροπο, φέρνοντας πολλά προβλήματα κατά τις πλημμύρες, αλλά με πλήρη ροή, προσβάσιμο για τη διέλευση πλοίων οποιουδήποτε μεγέθους. Κατά την περίοδο της ναυσιπλοΐας από την εποχή του Πέτρου, το λιμάνι βρισκόταν στο ανατολικό άκρο του νησιού Βασιλιέφσκι μπροστά από το περίφημο κτίριο των Δώδεκα Κολεγίων. Εδώ βρισκόταν και η Ανταλλαγή, ημιτελής τον 18ο αιώνα. Στον προικισμένο Ελβετό αρχιτέκτονα Thomas de Thomon (1760-1813) ανατέθηκε η κατασκευή του κτιρίου του νέου Exchange (1805-1810). Η ανταλλαγή βρισκόταν στη σούβλα του νησιού Βασιλιέφσκι, πλυμένη στα πλάγια από δύο κανάλια του Νέβα. Ο αρχιτέκτονας άλλαξε εντελώς την όψη αυτού του χώρου, μετατρέποντάς τον σε σημαντικό σημείο στο σύνολο του κέντρου της Αγίας Πετρούπολης. Μπροστά από την κύρια πρόσοψη του Χρηματιστηρίου, σχηματίστηκε ένα ημικυκλικό τετράγωνο, επιτρέποντας σε κάποιον να θαυμάσει τη σαφή, συμπαγή σύνθεση του κτιρίου με ασυνήθιστα απλά και ισχυρά γεωμετρικά σχήματα. Τα σπίτια δεξιά και αριστερά του Ανταλλάγματος χτίστηκαν μετά το θάνατο του αρχιτέκτονα από τους οπαδούς του. Εξίσου σημαντική για τη διαμόρφωση της τελικής εμφάνισης του κέντρου της Αγίας Πετρούπολης ήταν η κατασκευή του Ναυαρχείου (1806–1823) σύμφωνα με το σχέδιο του Ρώσου αρχιτέκτονα A.D. Zakharov (1761–1811). Ας θυμηθούμε ότι η κύρια ιδέα αυτής της δομής ανήκε στον Peter I.

Το 1727-1738 το κτίριο ξαναχτίστηκε από τον I.K. Korobov. Το έργο του A.D. Zakharov έγινε το υψηλότερο σημείο στην ανάπτυξη του όψιμου κλασικισμού. Το Ναυαρχείο εμφανίζεται ως μνημείο για τη δόξα της ρωσικής πρωτεύουσας, ως σύμβολό της και ταυτόχρονα ως το πιο σημαντικό μέρος της πόλης. Η κατασκευή ξεκίνησε με την ανακαίνιση του παλιού κτιρίου, αλλά στη συνέχεια ο Ζαχάρωφ ξεπέρασε πολύ το αρχικό έργο και σχεδίασε μια νέα σύνθεση, διατηρώντας παράλληλα το περίφημο κωδωνοστάσιο Korobov. Η κύρια πρόσοψη του Ναυαρχείου εκτεινόταν κατά μήκος του προκύπτοντος τετραγώνου και οι πλευρικές προσόψεις μιας γενικής διαμόρφωσης σε σχήμα U αποδείχθηκε ότι κατευθύνονται προς τον Νέβα. Ο Ζαχάρωφ πίστευε: Το Ναυαρχείο χρειάζεται γλυπτική διακόσμηση αντίστοιχη με την εικόνα. Ως εκ τούτου, ο ίδιος κατάρτισε ένα λεπτομερές σχέδιο για τη θέση των γλυπτών, το οποίο εφαρμόστηκε αργότερα από αξιόλογους Ρώσους δασκάλους - F.F. Shchedrin, I.I. Terebenev, V.I. Demut-Malinovsky, S.S. Pimenov και άλλοι. Η επιλογή των θεμάτων για τα γλυπτά καθορίστηκε από τη λειτουργία του κτιρίου - το κύριο ναυτικό τμήμα της τότε Ρωσίας. Εδώ υπάρχουν θεότητες που ελέγχουν τα υδάτινα στοιχεία, και ο συμβολισμός των ποταμών και των ωκεανών, και ιστορικές σκηνές με θέμα την κατασκευή του στόλου και τα κατορθώματα των Ρώσων ναυτικών. Μεταξύ των πιο εκφραστικών γλυπτικών διακοσμήσεων είναι η ζωφόρος από γυψομάρμαρο1 «Εγκατάσταση του Στόλου στη Ρωσία», που δημιουργήθηκε από τον πλοίαρχο I.I. Terebenev.

Έτσι, το Ναυαρχείο έγινε φόρος τιμής στη μνήμη των πράξεων του Μεγάλου Πέτρου, ο οποίος έκανε τη Ρωσία μια ισχυρή θαλάσσια δύναμη. Στις πρώτες δεκαετίες του 19ου αι. προτίμηση στην αρχιτεκτονική δίνεται σε κτίρια δημόσιου ή χρηστικού χαρακτήρα. Θέατρα και υπουργεία, τμήματα και στρατώνες συντάξεων, καταστήματα και αυλές αλόγων - όλα αυτά χτίζονται σχετικά γρήγορα, με υψηλή ποιότητα και σύμφωνα με τις καλύτερες παραδόσεις του ρωσικού υψηλού κλασικισμού. Θα πρέπει να ληφθεί υπόψη ότι πολλά κτίρια με φαινομενικά πρακτικούς σκοπούς απέκτησαν τον συμβολισμό των μνημείων που δοξάζουν τη Ρωσία (όπως το Ναυαρχείο).

Η νίκη στον Πατριωτικό Πόλεμο του 1812 ξεσήκωσε στην κοινωνία μια αίσθηση πατριωτισμού, εθνικής υπερηφάνειας και την επιθυμία να διαιωνιστεί το κατόρθωμα των όπλων των Ρώσων στρατιωτών. Το παγκοσμίου φήμης Campus Martius ήταν κάποτε ένας βάλτος. Στη συνέχεια, την εποχή του Μεγάλου Πέτρου, αποξηράνθηκε και χτίστηκε ένα παλάτι για την αυτοκράτειρα Αικατερίνη Α. Το λιβάδι Tsaritsyn, όπως άρχισαν να αποκαλούνται αυτά τα κάποτε ερειπωμένα εδάφη, μετατράπηκε σε αγαπημένο χώρο διασκέδασης για τους κατοίκους της Αγίας Πετρούπολης: είχαν διασκέδαση εδώ και πυροτεχνήματα, έτσι με την πάροδο του χρόνου το λιβάδι πήρε το παρατσούκλι Διασκεδαστικό Πεδίο.

Μετά τον πόλεμο με τον Ναπολέοντα, η πλατεία μετονομάστηκε σε Champ de Mars (ο Άρης είναι ο θεός του πολέμου). Τώρα πραγματοποιήθηκαν στρατιωτικές παρελάσεις και επιθεωρήσεις εδώ και το πεδίο συνδέθηκε με τη στρατιωτική δόξα. Το 1816, στρατώνες για το σύνταγμα Pavlovsk άρχισαν να χτίζονται στο Πεδίο του Άρη. Το επίλεκτο Σύνταγμα Life Guards Pavlovsk ήταν ένας ζωντανός θρύλος, η ενσάρκωση του θάρρους και της ανδρείας. Ως εκ τούτου, έπρεπε να δημιουργηθεί κάτι άξιο, συμπαγές και εξαιρετικό για τους γρεναδιέρηδες του Παβλόφσκ. Το έργο πραγματοποιήθηκε σύμφωνα με το σχέδιο ενός γηγενή Μοσχοβίτη, του αρχιτέκτονα V.P. Stasov (1769-1848), στον οποίο η βόρεια πρωτεύουσα οφείλει πολλές όμορφες αρχιτεκτονικές δημιουργίες. Οι στρατώνες Pavlovsk είναι ένα αυστηρό, επίσημο και κάπως λιτό κτίριο, το οποίο εκπληκτικά ανταποκρίνεται με ακρίβεια στον σκοπό τους. "Συγκρατημένη μεγαλειότητα" - έτσι εκτίμησε ο ίδιος ο Stasov την εικόνα των στρατώνων.

Ο πλοίαρχος διατηρεί αυτό το στυλ και στα άλλα έργα του. Δίπλα στο Campus Martius βρίσκεται μια άλλη σημαντική δομή, που ξαναχτίστηκε από τον Stasov - οι Αυτοκρατορικοί Στάβλοι (1817-1823). Ο αρχιτέκτονας μετέτρεψε ένα ανέκφραστο κτίριο εκατοντάδων ετών σε αληθινό έργο τέχνης, καθιστώντας το κέντρο μιας πλατείας οργανωμένης γύρω από αυτό. Αυτό το μέρος έχει ιδιαίτερη σημασία για εμάς: στην εκκλησία της πύλης στην πλατεία Konyushennaya την 1η Φεβρουαρίου 1837, πραγματοποιήθηκε η κηδεία του A.S. Pushkin. Ένας ιδιαίτερος τομέας της δημιουργικότητας του V. P. Stasov είναι οι συνταγματικές εκκλησίες και οι καθεδρικοί ναοί. Ο αρχιτέκτονας έχτισε δύο υπέροχους καθεδρικούς ναούς στην Αγία Πετρούπολη για τα συντάγματα Preobrazhensky και Izmailovsky. Ο συνταγματικός ναός στο όνομα της Αγίας Τριάδας (1827-1835) ανεγέρθηκε στη θέση του ομώνυμου ξύλινου ναού, που είχε ερειπωθεί. Όταν πρόσφεραν στον Stasov την ανάπτυξη του έργου, οι πελάτες όρισαν συγκεκριμένα τους όρους: ο νέος ναός πρέπει να φιλοξενεί τουλάχιστον 3.000 άτομα και να έχει ακριβώς την ίδια διάταξη θόλων όπως στην παλιά εκκλησία. Η προϋπόθεση εκπληρώθηκε και ο μεγαλοπρεπής σαν το χιόνι ναός υψώθηκε πάνω από την πρωτεύουσα με τους γαλάζιους τρούλους, πάνω στους οποίους έλαμπαν χρυσά αστέρια. Παρεμπιπτόντως, έτσι ήταν διακοσμημένοι οι ναοί αρχαία Ρωσία, και ο Στάσοφ γνώριζε καλά την πατρίδα του. Ο καθεδρικός ναός Spaso-Preobrazhensky (1827-1829) επίσης δεν δημιουργήθηκε από την αρχή: κατά την κατασκευή του, ο αρχιτέκτονας έπρεπε να χρησιμοποιήσει την κατασκευή του

από τα μέσα του 18ου αιώνα, που υπέστη σοβαρές ζημιές από πυρκαγιά. Η ολοκλήρωση των οικοδομικών εργασιών συνέπεσε με τη νίκη στον Ρωσοτουρκικό πόλεμο (1828-1829). Σε ανάμνηση αυτού του γεγονότος, ο V.P. Stasov έχτισε έναν ασυνήθιστο φράχτη γύρω από το ναό, αποτελούμενο από αιχμαλωτισμένα τουρκικά κανόνια. Στη δέκατη πέμπτη επέτειο της μάχης του Μποροντίνο, πραγματοποιήθηκε η τελετή κατάθεσης της Θριαμβευτικής Πύλης στο Φυλάκιο της Μόσχας - η αρχή του ταξιδιού από την Αγία Πετρούπολη στην παλιά πρωτεύουσα. Το σχέδιο της θριαμβευτικής κατασκευής ανήκε στον Stasov και σχεδιάστηκε ως μνημείο της ρωσικής στρατιωτικής δόξας. Η πύλη αποτελείται από δώδεκα κίονες δωρικού ρυθμού, ύψους δεκαπέντε μέτρων. Ένας βαρύς θριγκός1 στηρίζεται στους κίονες. Πάνω από τα ζεύγη των εξωτερικών κιόνων υπάρχουν οκτώ χάλκινες συνθέσεις: πλεγμένες πανοπλίες, δόρατα, κράνη, σπαθιά, πανό, που συμβολίζουν τα κατορθώματα και τον θρίαμβο των ρωσικών όπλων. Η σύνθεση από χυτοσίδηρο στέφθηκε με την επιγραφή: "Στα νικηφόρα ρωσικά στρατεύματα", στη συνέχεια απαριθμήθηκαν τα κατορθώματα που επιτεύχθηκαν το 1826-1831. Πρώτος μεταξύ ίσων στη ρωσική αρχιτεκτονική των δεκαετιών 1810 και 1820. Δικαίως θεωρείται ο K. I. Rossi (1775-1849). Σε μια εποχή που η Ρωσία εμπνεύστηκε από τον θρίαμβο των νικών της, ο Rossi ανέπτυξε τις αρχές του μεγαλειώδους πολεοδομικού σχεδιασμού, που έγινε πρότυπο για άλλους δασκάλους. Και ήταν αυτή τη στιγμή που ο Rossi πραγματοποίησε όλα τα λαμπρά δημιουργικά του σχέδια.

Ο πλοίαρχος σκέφτηκε έξω από το κουτί και σε μεγάλη κλίμακα. Έχοντας λάβει παραγγελία για ένα έργο παλατιού ή θεάτρου, επέκτεινε αμέσως το εύρος της κατασκευής, δημιουργώντας νέες πλατείες, πλατείες και δρόμους γύρω από το κτίριο που ανεγέρθηκε. Και κάθε φορά έβρισκε ιδιαίτερους τρόπους για να συσχετίσει αρμονικά την ανάπτυξη με τη γενικότερη εμφάνιση της περιοχής. Για παράδειγμα, κατά την κατασκευή του παλατιού Mikhailovsky (τώρα Κρατικό Ρωσικό Μουσείο), σχεδιάστηκε μια νέα πλατεία και χτίστηκε ένας δρόμος από αυτό, που συνδέει το παλάτι με τη λεωφόρο Nevsky Prospekt. Ήταν ο Rossi που έδωσε στην Πλατεία του Παλατιού μια ολοκληρωμένη εμφάνιση κατασκευάζοντας το IT το 1819-1829. το κτίριο του Γενικού Επιτελείου και των υπουργείων και ρίχνοντας μια φαρδιά καμάρα ανάμεσα στα δύο κτίρια. Ως αποτέλεσμα, το ακανόνιστο σχήμα της πλατείας του Παλατιού, που κληρονομήθηκε από τον 18ο αιώνα, από την άποψη του υψηλού κλασικισμού, απέκτησε έναν κανονικό, λεπτό και συμμετρικό χαρακτήρα. Στο κέντρο ολόκληρης της σύνθεσης βρίσκεται μια αψίδα θριάμβου, στην κορυφή της οποίας υπάρχουν έξι άλογα με πολεμιστές και ένα άρμα της δόξας.

Μία από τις ωραιότερες δημιουργίες του Κ.Ι.Ρόσσι είναι το Θέατρο Αλεξάνδρεια (1816-1834). Σε σχέση με την κατασκευή του, η εμφάνιση των κοντινών κτιρίων άλλαξε πέρα ​​από την αναγνώριση. Ο Rossi οργάνωσε την πλατεία και χάραξε νέους δρόμους, συμπεριλαμβανομένου του διάσημου δρόμου με τα συμμετρικά κτίρια που τώρα φέρει το όνομά του. Ο αρχιτέκτονας είχε έναν ισχυρό χαρακτήρα και μια εξαιρετική ικανότητα να υπερασπίζεται τις ιδέες του, τις οποίες σκεφτόταν μέχρι την παραμικρή λεπτομέρεια. Είναι γνωστό ότι επέβλεπε όλες τις εργασίες για τη διακόσμηση κτιρίων, ο ίδιος έκανε σχέδια για έπιπλα και ταπετσαρίες και παρακολουθούσε στενά τη δουλειά των γλυπτών και των ζωγράφων. Γι' αυτό τα σύνολά του είναι μοναδικά όχι μόνο από την άποψη της αρχιτεκτονικής σύνθεσης, αλλά και ως εξέχον φαινόμενο της σύνθεσης των τεχνών του υψηλού κλασικισμού. Οι τελευταίες δημιουργίες του αρχιτέκτονα μοιάζουν με τα ανάκτορα της Συνόδου και της Γερουσίας (1829-1834), που ολοκλήρωσαν το σύνολο της Πλατείας Γερουσίας, όπου βρίσκεται ο περίφημος «Χάλκινος Καβαλάρης» του E. M. Falcone.

Υπάρχει μια άλλη δημιουργία στην κληρονομιά της Ρωσίας που δεν σχετίζεται άμεσα με την αρχιτεκτονική, αλλά έχει τεράστια ιστορική, πνευματική και ηθική σημασία. Πρόκειται για τη Στρατιωτική Πινακοθήκη, αφιερωμένη στη μνήμη των ηρώων του Πατριωτικού Πολέμου, η οποία διακοσμεί έναν από τους εσωτερικούς χώρους του Χειμερινού Ανακτόρου. Η γκαλερί περιέχει 332 πορτρέτα επιφανών Ρώσων στρατιωτικών ηγετών. Ο Α.Σ. Πούσκιν έγραψε: Ο Ρώσος Τσάρος έχει μια κάμαρα στο παλάτι του: Δεν είναι πλούσιο σε χρυσό, ούτε σε βελούδο.<…>Μέσα σε ένα γεμάτο πλήθος, ο καλλιτέχνης τοποθέτησε εδώ τους ηγέτες των λαϊκών μας δυνάμεων, καλυμμένους με τη δόξα μιας υπέροχης εκστρατείας και αιώνια μνήμηδωδέκατο έτος. Η Μόσχα, βιαζόμενη να ανανεώσει την εμφάνισή της μετά την πυρκαγιά του 1812, υιοθέτησε νέες ιδέες υψηλού κλασικισμού, αλλά ταυτόχρονα διατήρησε πολλές παραδοσιακές μορφές.

Ο συνδυασμός νέου και παλιού δίνει στην αρχιτεκτονική της Μόσχας μια ιδιαίτερη μοναδικότητα. Από τους αρχιτέκτονες που πραγματοποίησαν την ανοικοδόμηση της αρχαίας πρωτεύουσας ξεχωρίζει το όνομα του O.I.Bove (1784-1834). Ήταν αυτός που προσπάθησε για πρώτη φορά να συνδέσει τα μεσαιωνικά κτίρια της Κόκκινης Πλατείας με μια νέα δομή - Trading Rows (1815, αργότερα αποσυναρμολογήθηκε). Ο χαμηλός θόλος των εμπορικών σειρών αποδείχθηκε ότι ήταν ακριβώς απέναντι από τον θόλο της Γερουσίας των Κοζάκων, ορατός πίσω από τον τοίχο του Κρεμλίνου. Σε αυτόν τον άξονα που προέκυψε, ανεγέρθηκε ένα μνημείο του Minin και του Pozharsky, των ηρώων του 1612, με την πλάτη του στις σειρές, κατασκευασμένο από τον γλύπτη I.P. Martos (1754-1835). Το πιο διάσημο δημιούργημα του Bove είναι η Θριαμβευτική Πύλη, που τοποθετείται στην είσοδο της Μόσχας από την Αγία Πετρούπολη (1827-1834· τώρα μεταφέρθηκε στη λεωφόρο Kutuzovsky Prospekt). Η μνημειακή αψίδα με έξι άλογα απηχεί τις εικόνες της αρχιτεκτονικής της Αγίας Πετρούπολης και συμπληρώνει το πανόραμα των μεγαλοπρεπών μνημείων της ρωσικής αρχιτεκτονικής που δόξασαν τη Ρωσία και τον νικηφόρο στρατό της.

Αλίμονο! Οι φιλοι! χρόνια περνούν -
Και μαζί τους το ένα μετά το άλλο
Οι θυελλώδεις μόδες αναβοσβήνουν
Μια ποικίλη σειρά...
Α. Σ. Πούσκιν

Τώρα στο μουσείο Α.Σ. Πούσκιν στην Prechistenka υπάρχει μια πολύ όμορφη έκθεση "Μόδα της εποχής Πούσκιν". Θα ήθελα να ευχαριστήσω ειλικρινά όλους όσους συμμετείχαν στην οργάνωση αυτού του υπέροχου έργου! Και, συγκεκριμένα, ένας από τους επισκευαστές κοστουμιών, ένας ταλαντούχος, υπέροχος άνθρωπος - Larisa Metsker λαμέτα

Η έκθεση "Fashion of the Pushkin Era" καλύπτει τις πιο ποικίλες σφαίρες της ρωσικής ζωής και πολιτισμού του πρώτου τρίτου του 19ου αιώνα. Στόχος του είναι να δείξει πώς η έννοια της «μόδας» αντικατοπτρίστηκε σε αντικείμενα και φαινόμενα της καθημερινής ζωής - υλικά, ηθικά και κοινωνικά. Μετά τα μεγάλα ιστορικά γεγονότα που ανησύχησαν την Ευρώπη και τη Ρωσία στις αρχές του 19ου αιώνα, άλλαξαν και τα αισθητικά γούστα της κοινωνίας. Η μόδα για την αρχιτεκτονική και το εσωτερικό των κτιρίων, για τη λογοτεχνία και την τέχνη, για τη συμπεριφορά στην κοινωνία και, φυσικά, για τα κοστούμια και τα χτενίσματα άλλαξε. Εξάλλου, το κοστούμι αντικατόπτριζε το επάγγελμα, που ανήκει σε μια συγκεκριμένη τάξη, το επίπεδο υλικής ευημερίας και το φάσμα των συμφερόντων του ιδιοκτήτη του. Έτσι, η μόδα δεν ήταν μόνο μια ιδιοτροπία των δανδών, αλλά και ένα σημάδι της κοινωνικής ένταξης ενός ατόμου, ένα σημάδι των πολιτικών του προτιμήσεων και ιδεών που κυριαρχούσαν στην κοινωνία.

Η έκθεση είναι αφιερωμένη στην καθημερινή ρουτίνα ενός κοσμικού ανθρώπου, του οποίου η ζωή αντικατόπτριζε την κοινή επιθυμία για τελετουργία της καθημερινής ζωής στον ευγενή πολιτισμό. Κατά τη διάρκεια της ημέρας, ένα άτομο αναγκαζόταν να αλλάξει ρούχα αρκετές φορές, καθώς οι κανόνες καλών τρόπων απαιτούσαν ένα συγκεκριμένο είδος ρούχου για διαφορετικές καταστάσεις εθιμοτυπίας. Ένα φόρεμα, αρκετά κατάλληλο για μια πρωινή βόλτα, ήταν απαράδεκτο για μεσημεριανό γεύμα ή βραδινές επισκέψεις και μια κυρία της κοινωνίας δεν μπορούσε να εμφανιστεί με τουρμπάνι ή μπερέ το πρώτο μισό της ημέρας - προορίζονταν για μπάλα ή θέατρο. Δεν είναι τυχαίο ότι ένας από τους σύγχρονους του Πούσκιν θεώρησε «την τέχνη του να ντύνεται καλά» ως «μεταξύ των καλών τεχνών», συγκρίνοντάς την με το χάρισμα του να είσαι «ένας σπουδαίος μουσικός ή ένας σπουδαίος ζωγράφος, και ίσως ακόμη και ένας σπουδαίος άνθρωπος».

Συγγνώμη, ρόμπα! σύντροφε ευδαιμονία αδρανής,
Φίλε ελεύθερου χρόνου, μάρτυρας κρυφών σκέψεων!
Μαζί σου γνώρισα έναν μονότονο κόσμο,
Αλλά ένας ήσυχος κόσμος, όπου το φως λάμπει και ο θόρυβος
Δεν μου ήρθε στο μυαλό στη λήθη.
P.A. Βιαζέμσκι

Τα ρούχα του σπιτιού για το πρώτο μισό της ημέρας για τους άνδρες ήταν μια ρόμπα και μια ρόμπα. Το πρωινό ντύσιμο για γυναίκες αποτελούνταν από φορέματα ειδικής κοπής. Για τους fashionistas της πρωτεύουσας αυτά ήταν πανάκριβα παριζιάνικα φορέματα, για τις επαρχιώτικες δεσποινίδες - απλά φορέματα σπιτιού. Ντυμένοι με τα πρωινά τους ρούχα, βγήκαν για πρωινό και είδαν οικογένεια ή στενούς φίλους. Ήταν απαραίτητο να αλλάξουμε ρούχα για δείπνο, ειδικά αν αναμένονταν οι επισκέπτες.

Στα έργα τους, οι Ρώσοι συγγραφείς του 19ου αιώνα συχνά εστίαζαν την προσοχή των αναγνωστών στις πρωινές στολές των ηρώων τους. Ο ήρωας της ιστορίας του Πούσκιν «Η νεαρή κυρία-αγρότης» Αλεξέι Μπερέστοφ, φτάνοντας στο σπίτι των Μουρόμσκι νωρίς το πρωί, βρίσκει τη Λίζα να διαβάζει το γράμμα του, με ένα «λευκό πρωινό φόρεμα». Η ηρωίδα του μυθιστορήματος του Λ. Ν. Τολστόι «Πόλεμος και Ειρήνη» Νατάσα Ροστόβα συναντά τον Πρίγκιπα Αντρέι, που ήρθε να τους επισκεφτεί, στο «σπίτι μπλε φόρεμα", η μητέρα της Tatyana Larina, έχοντας παντρευτεί, "επιτέλους ανανέωσε / το ρόμπα και το καπέλο με βαμβακερό μαλλί." Η ρόμπα ή η τουαλέτα - ένα φαρδύ ρούχο χωρίς κουμπιά, συνήθως ζωσμένο με ένα στριφτό κορδόνι - θα μπορούσε να φορεθεί και από τους δύο άντρες και γυναίκες Ήταν ιδιαίτερα δημοφιλές το 1830 Σε ένα από τα τεύχη του περιοδικού «Rumor» για το 1832 αναφέρθηκε: «Για τους άντρες, η μόδα για ντυσίματα έχει καθιερωθεί τόσο πολύ που έχουν εφευρεθεί σχέδια και υλικά για αυτούς. Τα σάλια είναι τα πιο κατάλληλα για αυτό».

Ωστόσο, η ρόμπα, η οποία χρησίμευσε ως «τελετουργική αμέλεια» από τον 18ο έως τα μέσα του 19ου αιώνα, έλαβε τη μεγαλύτερη προσοχή από τους Ρώσους συγγραφείς. Στο ποίημα "Dead Souls" ο N.V. Ο Γκόγκολ σημείωσε με ειρωνεία ότι ο πρόεδρος του επιμελητηρίου «υποδέχτηκε τους καλεσμένους του με μια ρόμπα, κάπως λαδερή». Στο "Eugene Onegin" η ρόμπα συνοδεύει τη φιλισταική και αντιπνευματική ζωή των γονιών της Tatyana Larina και θεωρείται μια από τις επιλογές για τη μοίρα του Lensky:

Θα άλλαζε με πολλούς τρόπους
Θα αποχωριζόμουν τις μούσες, θα παντρευόμουν,
Στο χωριό χαρούμενος και καυλιάρης.
Θα φορούσα μια καπιτονέ ρόμπα...

Περισσότερο από οποιοδήποτε άλλο ρουχισμό για το σπίτι, η ρόμπα εξαρτιόταν από τη μόδα. «Ραμμένο σε μορφή μακριού φόρεμα με βελούδινα πέτα», η ρόμπα του ήρωα της ιστορίας από τον V.A. Ο Σολλογούμπας «Φαρμακοποιός» «μαρτύρησε τις αφρώδεις συνήθειες» του κυρίου του. Ο ήρωας των «Αιγυπτιακών Νυχτών» Τσάρσκι, με τα ρούχα του πάντα «παρατηρούσε τα περισσότερα τελευταία μόδα», έκανε το γύρο του σπιτιού «με μια φουντωτή μπροκάρ σκούπα» και «μια χρυσή κινέζικη ρόμπα, ζωσμένη με ένα τούρκικο σάλι».

Παράλληλα, η Π.Α. Vyazemsky και N.M. Ο Γιαζίκοφ επαίνεσε τη ρόμπα ως «ρούχο τεμπελιάς και τεμπελιάς», αντιπαραβάλλοντάς την με τη στολή ενός αξιωματικού ή με τη «ζωή του σαλονιού». Ήταν με τη ρόμπα του V.A Ο Τροπινίν υποδύθηκε τον Α.Σ. Πούσκινα, Α.Ι. Ιβάνοφ - Ν.Β. Gogol, V.G. Perov - Α.Ν. Οστρόφσκι, Ι.Ε. Ρεπίν - Μ.Π. Μουσόργκσκι. Έτσι, τόσο στη ρωσική ποίηση όσο και στη ρωσική ζωγραφική, η ρόμπα έγινε σύμβολο της ελευθερίας ενός δημιουργικού ανθρώπου.

Ένα από τα κοινωνικά καθήκοντα ήταν οι επισκέψεις. Όπως και άλλες καταστάσεις εθιμοτυπίας, το έθιμο της λήψης επισκέψεων υπόκειται στη μόδα. Την εποχή της Αικατερίνης Β' θεωρούνταν της μόδας να δέχονται επισκέπτες ενώ ντύνονταν, αλλά στις αρχές του 19ου αιώνα μόνο οι ηλικιωμένες κυρίες τήρησαν αυτό το έθιμο. Εκτός από επισκέψεις, σκοπός των οποίων ήταν να δείξει κανείς σεβασμό, γίνονταν επισκέψεις συγχαρητηρίων, ευχαριστιών, αποχαιρετιστηρίων και, τέλος, επισκέψεις εκδήλωσης συμμετοχής... Συγχαρητήρια επισκέψεις πραγματοποιήθηκαν την Νέος χρόνος, το Πάσχα, την ονομαστική εορτή. Αφού λάβατε μια πρόσκληση για χορό ή δείπνο, μια επίσκεψη ευχαριστιών ήταν απαραίτητη. Οι νεόνυμφοι έκαναν επισκέψεις γάμου τις δύο πρώτες εβδομάδες μετά το γάμο, αν δεν πήγαιναν αμέσως το μήνα του μέλιτος. Οι επισκέψεις συμμετοχής ήταν απαραίτητες όταν επισκέπτονταν έναν άρρωστο ή όταν έλεγαν συλλυπητήρια μετά από κηδεία.

Η ακρίβεια της συμμόρφωσης με τους κανόνες της επίσκεψης έδειξε αναμφισβήτητα ότι ένα άτομο ανήκε σε μια κοσμική κοινωνία. Πολλά σπίτια είχαν μέρες που γίνονταν δεκτοί επισκέπτες. Οι πρωινές επισκέψεις γίνονταν συνήθως μεταξύ πρωινού και μεσημεριανού γεύματος. Εάν ο θυρωρός αρνιόταν να δεχτεί έναν επισκέπτη χωρίς να εξηγήσει τον λόγο, αυτό σήμαινε ότι του αρνούνταν εντελώς το σπίτι.

Μεγάλη σημασία δόθηκε στο επαγγελματικό κοστούμι. Το περιοδικό Moscow Telegraph ανέφερε τακτικά νέα επαγγελματικά κοστούμια για άνδρες και γυναίκες. Ένα επαγγελματικό κοστούμι για πρωινές επισκέψεις θα έπρεπε να ήταν κομψό, κομψό, αλλά όχι επίσημο. Αυτό θα μπορούσε να εκληφθεί στην κοινωνία ως αμηχανία και να γίνει θέμα γενικής γελοιοποίησης. Άντρες έφτασαν με παλτό και γιλέκα, γυναίκες με μοδάτες τουαλέτες ειδικά σχεδιασμένες για πρωινές επισκέψεις. Μετά από μια βραδινή επίσκεψη, μπορούσε κανείς να πάει στο θέατρο ή στο κλαμπ, έτσι ένα επαγγελματικό κοστούμι διέφερε ελάχιστα από ένα βραδινό ντύσιμο. Αν κάποιος επισκεπτόταν τον ανώτερό του, έπρεπε να είναι ντυμένος με στολή. Ωστόσο, ο ήρωας της Άννας Καρένινα, Στίβα Ομπλόνσκι, πηγαίνοντας μια επίσκεψη στο αφεντικό του, θεώρησε απαραίτητο να φορέσει ένα φόρεμα, μιας και ήταν κοινωνικοί γνώριμοι. Σύμφωνα με τις αναμνήσεις ενός σύγχρονου, ο A.P. Ermolov, ο οποίος έφτασε στη Μόσχα, δεν μπορούσε να «δείξει το σεβασμό του» στον Μέγα Δούκα «δεν είχε τίποτα παρά ένα φράκο και ένα παλτό». Ο Μέγας Δούκας διέταξε να του το μεταφέρουν « ότι θα τον έβλεπε με ευχαρίστηση και με φράκο.» .

Μπήκε: και υπήρχε ένας φελλός στο ταβάνι,
Το σφάλμα του κομήτη έρεε με ρεύμα.
Μπροστά του είναι ένα ματωμένο ψητό,
Και τρούφες, πολυτέλεια νεολαία,
Η γαλλική κουζίνα έχει το καλύτερο χρώμα,
Και η πίτα του Στρασβούργου είναι άφθαρτη
Ανάμεσα σε ζωντανό τυρί Limburg
Και ένας χρυσός ανανάς.
ΟΠΩΣ ΚΑΙ. Πούσκιν

Τον 19ο αιώνα, μπορούσες να δειπνήσεις στο σπίτι, σε κλαμπ ή εστιατόριο. Η λαμπρότητα των δείπνων των ρωσικών ευγενών κατέπληξε τους συγχρόνους. Ένας Γάλλος ταξιδιώτης που επισκέφτηκε τη Ρωσία στα τέλη του 18ου αιώνα, σημείωσε, όχι χωρίς έκπληξη: «Το έθιμο καθιερώθηκε να γιορτάζουν τα γενέθλια και τις ονομαστικές εορτές κάθε οικείου προσώπου και θα ήταν αγενές να μην εμφανίζονταν με συγχαρητήρια για τέτοια Αυτές τις μέρες, κανείς δεν ήταν προσκεκλημένος, αλλά όλοι έγιναν δεκτοί... Μπορείτε να φανταστείτε πόσο κόστισαν τα ρωσικά μπαρ να τηρούν αυτό το έθιμο· έπρεπε να οργανώνουν συνεχώς γλέντια». Το έθιμο του καλωσορίσματος για φαγητό συνεχίστηκε και στις αρχές του 19ου αιώνα. Σε ευγενείς οικογένειες, κατά κανόνα, τριάντα πέντε έως σαράντα άτομα συγκεντρώθηκαν στο τραπέζι και σε μεγάλες γιορτές - εκατοντάδες τρεις επισκέπτες. Ωστόσο, ο χρόνος έκανε τις δικές του προσαρμογές. Κάθισαν να δειπνήσουν όχι πια το μεσημέρι, αλλά γύρω στις τέσσερις το απόγευμα. Το έθιμο να κουβαλάμε πιάτα «σύμφωνα με την κατάταξη» έχει γίνει παρελθόν. Και, φυσικά, άλλαξε η μόδα για τη διακόσμηση της τραπεζαρίας και το στρώσιμο του τραπεζιού. Μόνο τα βάζα με τα φρούτα και τα λουλούδια άντεξαν στη δοκιμασία του χρόνου.

Η κοινωνική εθιμοτυπία απαιτούσε μια συγκεκριμένη φορεσιά για τους καλεσμένους. Ένας από τους σύγχρονους του Πούσκιν, που περιγράφει ένα δείπνο με τον Γενικό Κυβερνήτη της Μόσχας D.V. Golitsyn, σημείωσε: «Μόνο οι Βρετανοί επιτρέπεται να είναι τέτοια γουρούνια· ήμασταν όλοι ντυμένοι σε μια παρέλαση, αν και όχι με στολή, και αυτός ο εκκεντρικός εμφανίστηκε με ένα παλτό...».

Ωστόσο, στην Αγία Πετρούπολη και τη Μόσχα, οι νέοι προτιμούσαν ένα κλαμπ ή ένα εστιατόριο από τα δείπνα στο σπίτι. Υπήρχαν λίγα καλά εστιατόρια, το καθένα επισκεπτόμενο από έναν συγκεκριμένο, σταθερό κύκλο ανθρώπων. Το να εμφανιστείς σε ένα ή άλλο μοντέρνο εστιατόριο (στο Talon's ή αργότερα στο Dumais) σήμαινε να εμφανιστείς σε ένα σημείο συγκέντρωσης για άγαμους νέους - "λιοντάρια" και "dandies". Το 1834, σε μια από τις επιστολές του προς τη Natalya Nikolaevna, ο Πούσκιν ανέφερε: «...Ήρθα στο Dumais, όπου η εμφάνισή μου δημιούργησε γενική χαρά...», και λίγες μέρες αργότερα: «Δείπνω με τον Dumais στις 2 το πρωί. ρολόι, για να μην συναντηθώ με μια συμμορία εργένηδων».

Φυσικά, οι επιταγές της μόδας επεκτάθηκαν και στη γαστρονομία. Στο μυθιστόρημα "Eugene Onegin" ο Πούσκιν αναφέρει πολλά μοντέρνα είδη μενού στα τέλη της δεκαετίας του 1810 - αρχές της δεκαετίας του 1820. Ανάμεσά τους είναι το πιάτο της αγγλικής κουζίνας "bloody roast-beef" και "Strasbourg pie" - πατέ συκωτιού χήνας, που φέρεται σε κονσέρβα. Ο ανανάς - ένα επιδόρπιο παραδοσιακό για την εποχή του Πούσκιν, γνωστό στη Ρωσία από τα μέσα του 18ου αιώνα - δεν γινόταν πλέον αντιληπτός ως περιέργεια, αλλά παρέμενε μια από τις αγαπημένες λιχουδιές. Οι κάτοικοι και των δύο πρωτευουσών, που είχαν συνηθίσει να τρώνε στο σπίτι, έπρεπε μόνο να στείλουν έναν ανανά σε ένα κοντινό μαγαζί και οι «κοινωνικοί» και οι «νταντάδες» μπορούσαν να τον παραγγείλουν σε ακριβά εστιατόρια στην Αγία Πετρούπολη ή τη Μόσχα. Το "Κρασί Comet" ήταν επίσης σε εξαιρετική μόδα - η σαμπάνια από τη συγκομιδή του 1811, η οποία οφείλει το όνομά της στον λαμπερό κομήτη που μπορούσε να δει από την άνοιξη του 1811 έως τις αρχές του χειμώνα του 1812. Τρία χρόνια πολέμου τον δυσκόλεψαν να φτάσει στη Ρωσία, αλλά μετά την ήττα του Ναπολέοντα, Γάλλοι έμποροι κρασιού έσπευσαν να τον παραδώσουν στη νικήτρια χώρα. Για πολλά χρόνια, το "comet wine" δεν έχασε τη δημοτικότητά του και μέσα κυριολεκτικά δουλεύειτραγουδήθηκε τόσο συχνά που μετατράπηκε σε ένα από τα ποιητικά κλισέ.

Θα απεικονίσω την αλήθεια στην εικόνα;
Απομονωμένο γραφείο
Πού είναι ο υποδειγματικός μαθητής
Ντυμένος, γδύθηκε και πάλι ντυμένος;
ΟΠΩΣ ΚΑΙ. Πούσκιν

Το γραφείο - δωμάτιο για μοναχικές σπουδές - ανήκε στον ιδιοκτήτη του σπιτιού και έπαιζε σημαντικό αντιπροσωπευτικό ρόλο στην κοινωνική ζωή του ιδιοκτήτη του. Περισσότερο από κάθε άλλο δωμάτιο, έδωσε μια ιδέα για τον χαρακτήρα, το επίπεδο εκπαίδευσης, τη θέση στην κοινωνία και τις ανάγκες του ιδιοκτήτη του. Το γραφείο του κόμη από την ιστορία του Α.Σ. Το «Shot» του Πούσκιν ήταν εντυπωσιακό στην πολυτέλειά του: «κοντά στους τοίχους υπήρχαν ντουλάπια με βιβλία και πάνω από το καθένα υπήρχε μια μπρούτζινη προτομή· πάνω από το μαρμάρινο τζάκι υπήρχε ένας φαρδύς καθρέφτης· το πάτωμα ήταν καλυμμένο με πράσινο ύφασμα και καλυμμένο με χαλιά .» «Μπλε γαλλική ταπετσαρία» που κάλυψε τους τοίχους του γραφείου του Pechorin στην ιστορία του M.Yu. Η "Πριγκίπισσα της Λιθουανίας" του Lermontov, "οι γυαλιστερές δρύινες πόρτες με μοντέρνα χερούλια και δρύινα κουφώματα έδειχναν τον ιδιοκτήτη να είναι ένα αξιοπρεπές άτομο." Το εσωτερικό του γραφείου: έπιπλα και αντικείμενα διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης, βιβλία και πίνακες ζωγραφικής, προτομές Οι Γάλλοι εγκυκλοπαιδιστές ή «το πορτρέτο του Λόρδου Βύρωνα» όχι μόνο αντανακλούσαν τα ενδιαφέροντα ενός ατόμου, αλλά κατέδειξαν και τις τάσεις της μόδας της εποχής. ήταν γεμάτο «πίνακες ζωγραφικής, μαρμάρινα αγάλματα, μπρούτζινα, ακριβά παιχνίδια τοποθετημένα σε γοτθικά ράφια». "πορσελάνη και μπρούτζος στο τραπέζι" και - μια μοντέρνα καινοτομία των αρχών του 19ου αιώνα - "άρωμα σε κομμένο κρύσταλλο". Ο γνωστός του Pushkin A.L. Bulgakov στη Μόσχα περιέγραψε το γραφείο του ως εξής: "Το γραφείο μου είναι πλέον σχεδόν τακτοποιημένο - πέντε μεγάλα τραπέζια ... Στη γωνία ένας καναπές, μπροστά του ένα στρογγυλό τραπέζι με βιβλία και εφημερίδες, απέναντί ​​του μια ντουλάπα (πολύτιμη για μένα) με σωλήνες. Όλοι οι σωλήνες είναι σε τάξη».

Εργάστηκαν και ξεκουράστηκαν στο γραφείο, δέχτηκαν τον μάνατζερ και συζήτησαν τις συνθήκες του αγώνα με τα δευτερόλεπτα του αντιπάλου τους. Μετά από ένα δείπνο, οι άνδρες, κατά κανόνα, πήγαιναν στον ιδιοκτήτη του γραφείου του σπιτιού για να "καπνίσουν πίπα" και σταδιακά το γραφείο μετατράπηκε σε αίθουσα για δεξιώσεις ανδρών. Οι σωλήνες με μακριά στελέχη, που εξάγονταν από την Τουρκία, καθώς και τα αξιοσέβαστα ανδρικά αξεσουάρ για αυτούς, ήταν απαραίτητο αξεσουάρ για ένα επίσημο γραφείο. Στη Ρωσία, ήρθαν στη μόδα το πρώτο τρίτο του 19ου αιώνα σε σχέση με την πανευρωπαϊκή γοητεία για την Ανατολή, με το έργο του Βύρωνα, ο οποίος δόξασε τον ανατολίτικο εξωτισμό στο ποίημα «The Giaour».

Κάθε τύπος υποδοχής υπονοούσε ορισμένα θέματα συνομιλίας, που ρυθμίζονταν από κοσμικούς κανόνες. Στη μελέτη πραγματοποιήθηκαν συνομιλίες που ήταν ακατάλληλες σε μια μπάλα ή σε ένα σαλόνι. Η διαφορετικότητά τους αντικατόπτριζε ολόκληρο τον ανδρικό κόσμο: το φάσμα των προσωπικών ενδιαφερόντων και των πολιτικών απόψεων, ζητημάτων οικογενειακή ζωήκαι νοικοκυριό, καριέρα και τιμή.

Το θέατρο είναι ήδη γεμάτο. τα κουτιά λάμπουν?
Οι πάγκοι και οι καρέκλες είναι όλα σε πλήρη εξέλιξη.
Στον παράδεισο πιτσιλίζουν ανυπόμονα,
Και, σηκώνοντας, η κουρτίνα κάνει θόρυβο.
Α. Σ. Πούσκιν

Την εποχή του Πούσκιν, το θέατρο ήταν ένα θέμα καθολικής γοητείας. Συνήθως η παράσταση άρχιζε στις έξι και τελείωνε στις εννέα το βράδυ, οπότε ο νεαρός είχε χρόνο, αφού επισκεπτόταν το θέατρο, να πάει σε μια μπάλα, μια μεταμφίεση ή ένα κλαμπ.

Ο χώρος του θεάτρου αποτελούνταν από κουτιά, πάγκους και ένα rai. Τα καταφύγια επισκεπτόταν ένα οικογενειακό κοινό και, κατά κανόνα, ήταν συνδρομητές για όλη τη σεζόν. Οι πάγκοι περιλάμβαναν 10-15 σειρές καθισμάτων και τους πάγκους τους ίδιους, όπου η παράσταση παρακολουθούνταν όρθιοι. Οι θέσεις στις καρέκλες ήταν ακριβές και, κατά κανόνα, καταλαμβάνονταν από ευγενείς και πλούσιους θεατές. Τα εισιτήρια εδάφους ήταν σημαντικά φθηνότερα. Το raek - η ανώτερη βαθμίδα του μπαλκονιού - προοριζόταν για το δημοκρατικό κοινό, το οποίο, σύμφωνα με έναν σύγχρονο, «χωρίς να βγάλει το εξωτερικό του φόρεμα, χύθηκε στις στοές». Αυτό εξηγείται από το γεγονός ότι εκείνη την εποχή δεν υπήρχε ντουλάπα στο θέατρο και εξωτερικά ενδύματαλακέδες φρουρούσαν.

Για τους υπόλοιπους επισκέπτες, η κοινωνική εθιμοτυπία επέβαλε αυστηρές απαιτήσεις στο κοστούμι. Οι γυναίκες μπορούσαν να εμφανιστούν στο θέατρο μόνο με κουτιά - με βραδινά φορέματα, με μπερέδες, με ρεύματα, με τουρμπάν, που δεν αφαιρούνταν ούτε στο θέατρο ούτε στην μπάλα. Οι άνδρες φορούσαν στολή ή φράκο. Παραβιάσεις της εθιμοτυπίας ήταν επίσης πιθανές για να σοκάρουν το κοινό. «Μπροστά από τους πάγκους, στη μέση, γέρνοντας την πλάτη του στη ράμπα, στεκόταν ο Ντολόχοφ με ένα τεράστιο χτενισμένο σοκ από σγουρά μαλλιά, με περσικό κοστούμι. Στεκόταν στην ίδια θέα του θεάτρου, γνωρίζοντας ότι προσέλκυε την προσοχή ολόκληρης της αίθουσας, τόσο ελεύθερα σαν να στεκόταν στο δωμάτιό του. Η πιο λαμπρή νεολαία της Μόσχας στεκόταν στριμωγμένη γύρω του, και προφανώς είχε το προβάδισμα ανάμεσά τους», έγραψε ο Λέων Τολστόι στο μυθιστόρημα «Πόλεμος και Ειρήνη."

Για τον δανδή της Αγίας Πετρούπολης του πρώτου τρίτου του 19ου αιώνα, το θέατρο δεν ήταν μόνο ένα καλλιτεχνικό θέαμα, αλλά και ένας τόπος κοινωνικών συναντήσεων, έρωτες και χόμπι πίσω από τα παρασκήνια. Από αυτή την άποψη, οι κανόνες των καλών τρόπων ίσχυαν όχι μόνο για το κοστούμι, αλλά και για τη συμπεριφορά του θεάτρου. Συνηθιζόταν να μπαίνουν στην αίθουσα την τελευταία στιγμή πριν την έναρξη της παράστασης, ανταλλάσσοντας υποκλίσεις και χαιρετισμούς. Έτσι, για παράδειγμα, ο Onegin, καθυστερώντας την έναρξη της παράστασης, "περπατάει ανάμεσα στις καρέκλες κατά μήκος των ποδιών". Και μια ακόμη λεπτομέρεια της συμπεριφοράς του δανδή είναι να κοιτάξετε το αμφιθέατρο μέσα από ένα λογνιέτα. Ονέγκιν «Η διπλή λοζνέτα δείχνει λοξά / Στα κουτιά άγνωστων κυριών».

Το αγγλικό κλαμπ, σαν ένα σκοτεινό θάλαμο, αντικατοπτρίζει ολόκληρη τη Ρωσία.
P.A. Βιαζέμσκι

Οι λέσχες εμφανίστηκαν για πρώτη φορά στη Μεγάλη Βρετανία. Στη Ρωσία ήρθαν στη μόδα υπό την Αικατερίνη Β'. Στην Αγία Πετρούπολη τα έτη 1770-1795 ιδρύθηκαν επτά σύλλογοι, μεταξύ των οποίων ο αγγλικός θεωρούνταν ο πιο κύρος. Σύντομα η αγγλική λέσχη εμφανίστηκε στη Μόσχα. Έχοντας ανέβει στο θρόνο, ο Παύλος Α' απαγόρευσε τους αγγλικούς συλλόγους, καθώς και άλλες δημόσιες συναντήσεις. Με την προσχώρηση του Αλεξάνδρου Α' επέτρεψαν ξανά. Η εκλογή ως μέλος του συλλόγου συνδέθηκε με πολλούς περιορισμούς και περιορισμούς. Πρώτον, μόνο άνδρες έγιναν δεκτοί στο αγγλικό κλαμπ. Δεύτερον, το όνομα του νέου μέλους είχε ανακοινωθεί εκ των προτέρων και αν ήταν γνωστές απαράδεκτες ενέργειες για αυτόν, το ζήτημα της εκλογής του αφαιρέθηκε αμέσως. Εάν η υποψηφιότητα δεν απορριφθεί, τότε τα μέλη του συλλόγου ψήφισαν για την αποδοχή της - κάθε άτομο επέλεξε να τοποθετήσει μια άσπρη ή μαύρη μπάλα.

Η φήμη που απέκτησε ο αγγλικός σύλλογος στην κοινωνία από τις αρχές του 19ου αιώνα οδήγησε στο γεγονός ότι έγινε όχι μόνο ένας μοντέρνος θεσμός, αλλά επηρέασε και την κοινή γνώμη στην πρωτεύουσα. Οι κύριες δραστηριότητες των μελών του συλλόγου ήταν η συζήτηση, το παιχνίδι και η ανάγνωση εφημερίδων. Ωστόσο, οι συζητήσεις για πολιτική -αν και γίνονταν στο κλαμπ- απαγορευόταν από το καταστατικό.

Η αίθουσα εφημερίδων, η οποία λάμβανε ρωσικά και ξένα περιοδικά, ήταν ένα απαραίτητο χαρακτηριστικό του συλλόγου. Φρέσκιες εφημερίδες και περιοδικά ήταν στρωμένα σε ένα ειδικό τραπέζι· μπορούσαν να ληφθούν ελεύθερα και να διαβαστούν. Στη βιβλιοθήκη κατατέθηκαν εκδόσεις προηγούμενων ετών, από όπου μπορούσαν να μεταφερθούν στο σπίτι υπογράφοντας σε ειδικό βιβλίο. Ένας ειδικός συνοδός παρακολουθούσε την τήρηση της τάξης στην αίθουσα των εφημερίδων. Αλλά, κατά κανόνα, δεν είχε κόσμο. Σύμφωνα με τα απομνημονεύματα ενός σύγχρονου, κάποτε ο Π.Α. Ο Βιαζέμσκι «ως συνήθως, επισκέφτηκε όλες τις μπάλες και όλες τις βραδινές συναντήσεις στη Μόσχα και τελικά πήγε στο κλαμπ για να διαβάσει τις εφημερίδες.<...>Ο σερβιτόρος άρχισε να βηματίζει και να βήχει γύρω του. Στην αρχή δεν έδωσε σημασία σε αυτό, αλλά τελικά, καθώς άρχισε να εκφράζει αισθητά την ανυπομονησία του, ρώτησε: «Τι έχεις;» - «Είναι πολύ αργά, Εξοχότατε». - «Μα βλέπεις ότι δεν είμαι μόνος, και ακόμα παίζουν χαρτιά εκεί πέρα». - «Γιατί, εξοχότατε, κάνουν τη δουλειά».

Οι κάρτες - "ένα από τα αμετάβλητα και αναπόφευκτα στοιχεία της ρωσικής ζωής" - εισήχθησαν στο αγγλικό κλαμπ αμέσως μετά την ίδρυσή του. Για πολύ καιρό, τόσο τα εμπορικά όσο και τα τυχερά παιχνίδια άκμασαν εκεί - παρά το γεγονός ότι τα τελευταία απαγορεύονταν επίσημα στη Ρωσία στα τέλη του 18ου - αρχές του 19ου αιώνα. Σε αντίθεση με τα εμπορικά παιχνίδια, τυπικά για αξιοσέβαστους ανθρώπους, ο τζόγος είχε τον χαρακτήρα μιας «περιεκτικής μόδας». Επιπλέον, κάποτε υπήρχε ακόμη και μια «μόδα για απώλεια». Έγιναν επανειλημμένες προσπάθειες να εξαλειφθεί ο τζόγος, που θα μπορούσε να καταστρέψει τα αξιοσέβαστα μέλη του συλλόγου και, στο τέλος, στέφθηκαν με επιτυχία.

Σε περίπτωση που σημαντικά γεγονόταΣτον σύλλογο έγιναν δείπνα. Ένα από αυτά τα δείπνα περιέγραψε ο L.N. Τολστόι στο μυθιστόρημα "Πόλεμος και Ειρήνη". Επιπλέον, υπήρχαν καθημερινά μεσημεριανά γεύματα και δείπνα του συλλόγου. Ήταν ακριβά, αλλά υπήρχε πάντα μια εκλεκτή κοινωνία εδώ, και για τους ανύπαντρους ο σύλλογος αντικατέστησε την άνεση του σπιτιού.

Και όλη η γέφυρα Kuznetsky, και οι αιώνιοι Γάλλοι,
Από εκεί έρχεται η μόδα σε εμάς, συγγραφείς και μούσες:
Καταστροφείς τσέπες και καρδιές!
Όταν ο Δημιουργός θα μας παραδώσει
Από τα καπέλα τους! καπάκια! και στιλέτο! και καρφίτσες!
Και βιβλιοπωλεία και μπισκοτοπωλεία!..
ΟΠΩΣ ΚΑΙ. Γκριμπογιέντοφ

Την εποχή του Πούσκιν, ο κύριος εμπορικός δρόμος της Μόσχας - ένα καταφύγιο πολυτέλειας και μόδας - ήταν η γέφυρα Kuznetsky. Μετά το διάταγμα της Αικατερίνης Β' για τα προνόμια για τους ξένους εμπόρους στην περιοχή Kuznetsky Most, οι Γάλλοι άρχισαν να ανοίγουν τα δικά τους καταστήματα μόδας και ψιλικών. Το 1812, αυτό έσωσε τον δρόμο από τη φωτιά: οι Ναπολεόντειοι φρουροί προστάτευαν τους συμπατριώτες τους από τη φωτιά και την καταστροφή. Μετά την εκδίωξη των εισβολέων από τη Μόσχα, οι γαλλικές επιγραφές απαγορεύτηκαν, ενώ στα γαλλικά καταστήματα προστέθηκαν αγγλικές, ιταλικές και γερμανικές. Τα καταστήματα στο Kuznetsky Most ήταν μοντέρνα και ακριβά. Ένας από τους οδηγούς εκείνης της εποχής ανέφερε: «Από νωρίς το πρωί μέχρι αργά το βράδυ βλέπεις εδώ πολλές άμαξες και ένα σπάνιο<.>ένας από αυτούς θα πάει χωρίς να υπερφορτώνει τον εαυτό του με αγορές. Και σε τι τιμή; Όλα είναι υπερβολικά ακριβά. αλλά για τους fashionistas μας αυτό δεν είναι τίποτα: η λέξη «αγοράστηκε στο Kuznetsky Most» δίνει σε κάθε πράγμα μια ιδιαίτερη γοητεία».

Στην Αγία Πετρούπολη, τα καταστήματα μόδας ήταν συγκεντρωμένα στη λεωφόρο Nevsky Prospekt. Ένας αρθρογράφος της εφημερίδας «Northern Bee» σημείωσε τις ομοιότητες και τις διαφορές μεταξύ των δύο πρωτευουσών: «Το Kuznetsky Most είναι σε πλήρη λαμπρότητα: μια άβυσσος από καταστήματα όλων των ειδών, μοδάτα καταστήματα· εδώ μπορείτε να ξοδέψετε πολλά χρήματα σε μια μέρα. Τα υπέροχα καταστήματα, που βρίσκονται συχνά στην Αγία Πετρούπολη, δεν υπάρχουν· οι χώροι είναι στενοί, τα δωμάτια είναι σκοτεινά και χαμηλά, αλλά τα εμπορεύματα ομαδοποιούνται κομψά και πωλούνται τόσο ακριβά όσο στην Αγία Πετρούπολη. Στην τελευταία, ο Kuznetsky Το Most δεν υστερεί σε σχέση με τη Nevsky Prospekt». Ωστόσο, σύμφωνα με τις παρατηρήσεις των ξένων, τα καταστήματα της Αγίας Πετρούπολης ήταν κατώτερα από τα ευρωπαϊκά. Σε έναν Άγγλο ταξιδιώτη που επισκέφτηκε τη Ρωσία το 1829, φαινόταν «όχι τόσο αξιοσημείωτα όσο τα λονδρέζικα» και η επιλογή των αγαθών σε αυτά δεν ήταν τόσο πλούσια. Ωστόσο, στην Αγία Πετρούπολη, το εμπόριο προσέφερε μια μεγάλη ποικιλία προϊόντων, μεταξύ άλλων όσον αφορά την ποιότητα και την τιμή.

Συνεχίζεται...